Avec la participation de S. Girault,
membre du Conseil d’administration de la FAMDT.

Part de mémoire et part de création. Héritage et interprétation.
Toutes les musiques se nourrissent de leur rapport à l’histoire, à la tradition, à la création. Les musiques traditionnelles particulièrement.

La sélection des artistes présentés dans Planètes Musiques privilégie de façon délibérée, le talent de l’interprète et la liberté de la création plutôt que le respect de formes soit disant authentiques. En réalité, dans les musiques traditionnelles, la connaissance du passé nourrit la créativité de l’interprète d’aujourd’hui car ces musiques ont la mémoire longues…

Et si les artistes de Planètes Musiques nous émeuvent toujours, c’est que leurs musiques ont un grain particulier, une matière sonore différente. Chacun suit son singulier chemin de liberté et d’innovation, émergé de la marmite bouillante des traditions, réelles ou imaginées.

Olivier DURIF, Président de la FAMDT

Le style du groupe Bill Ebet est inclassable tant il se nourrit d’histoires bretonnes, d’un peu d’Afrique, de jazz et de beaucoup de spontanéité. Une chose est sûre, cette aventure musicale porte à bout de voix, de bombarde, de percus et de saxo, l’attachement de Gildas Le Buhé aux chansons du pays vannetais.
En effet, Bill Ebet est construit autour de ce chanteur et sonneur breton que l’on a beaucoup croisé en fest-noz, en bagad… Toutes les chansons proviennent du pays vannetais, entre Quiberon et Baud en passant par Lokoal-Mendon. Ce répertoire marque l’intérêt porté par Gildas au répertoire familial. Les dictons et mimologismes ont été collectés auprès de sa mère, de ses oncles, de ses grands-parents. Ces petits mots, si faciles à ne pas entendre, à ignorer, qui paraissent sans intérêt, il les a notés comme il aurait noté un air de musique. Source éternelle de créativité pour lui, ils ont, à ses yeux, une valeur inestimable : celle du lien entre les générations. Manière aussi de rendre hommage  à des artistes anonymes du quotidien…
Bill Ebet donne à entendre une musique bretonne revêtue d’habits sonores qu’elle n’a pas l’habitude de porter. Un melting-trad où le Breton populaire swingue dans chaque note, où chacun fait de la tradition sa composition.

Patrick Bouffard et Gilles Chabenat : deux monstres sacrés de la vielle à roue en France. Deux potes – ils ont le même âge et ils ont débuté ensemble - aux antipodes car très vite chacun s’est façonné son propre univers musical avec une approche personnelle de l’instrument.
Gilles a commencé la vielle à roue parce que c’était un objet familier de son environnement, « comme un citadin débute la guitare » avec toujours une oreille tendue du côté des chansons des Beatles ou de Police. Progressivement, sa vielle est devenue électro-acoustique. Toujours avide de nouveaux sons et de nouvelles techniques, il recherche en permanence le mélange des univers musicaux. On le retrouve ainsi aux côtés d’artistes de la chanson (Gabriel Yacoub) ou de stars de la variété comme J.-J. Goldman et l Muvrini.
Quant à Patrick, le vielleux au look de rocker, il appréhende la vielle sur la base du répertoire traditionnel animé par un désir de filiation avec les anciens maîtres. Puissance du son, jeu percutant, engagement physique et générosité, l’ancien pensionnaire de la Boucherie Production, l’idole du Festival de St Chartier est la référence incontestable en matière de vielle Centre France.
Alors comment créer l’alchimie entre deux solistes si différents ? Sans doute « la complémentarité des contraires »… Plus sûrement, une envie et une motivation forte de jouer ensemble, de croiser les univers, de revisiter les airs traditionnels Centre France et de partager leurs compositions.

Gadalzen incarne la nouvelle vague occitane au carrefour des musiques urbaines et des matériaux traditionnels (les airs, les instruments, la connaissance), croisant les sonorités nouvelles aussi bien acoustiques qu’amplifiées.
Gadalzen s’appuie sur une base à la fois vocale et instrumentale et joue avec l’électrification et les nouvelles technologies. Gadalzen franchit allègrement les frontières des disciplines artistiques. D’ailleurs, deux musiciens s’expriment également dans le graphic-design et le net-art. De ce fait, l’image occupe une place importante dans leur univers comme en témoignent la pochette de leur dernier disque et leur site internet. Cette sensibilité trouve également une dimension sur le plan sonore et scénique.
Les chansons en occitans et les pièces instrumentales sont composées et arrangées par le groupe. Si les airs traditionnels sont toujours là, ils sont moins sollicités. Gadalzen écrit et crée en connaissance du trad mais œuvre pour une autre idée de la musique, moins directement fonctionnelle mais tout autant née du partage. Une expression au cœur des musiques actuelles qui bouleverse les musiques traditionnelles habituelles et qu’il promène du Bikini de Toulouse en festivals internationaux…

« Panic », c’est l’abréviation pour les initiés de « coopérative de panification »… et le titre du spectacle de Dominique Bourdin, musicien/boulanger et Christian Pacher, violoniste/chanteur, deux artistes / artisans accomplis en Poitou.
Sur scène, dans un décor stylisé de fournil grouillant de réveils, de pendules, de cadrans, un sampler diffuse les témoignages en parlanjhe d’un ancien boulanger Michel Ayrault. Passages contés, chansons d’auteur de Dominique Bourdin, compositions instrumentales sont imbriqués avec thèmes, anecdotes et symboliques autour de la boulangerie.
Dominique, le boulanger, parle de son pain avec sa musique et son diatonique alors que Christian joue l’archétype du client avec son violon, ses contre-chants et ses impros.
On apprend et on comprend, on s’émeut et on rit tout en découvrant la  « face cachée du comptoir ».
Un fournil musical, poétique et plein de fantaisies qui rapproche musiques traditionnelles et arts et traditions populaires.
Une création Festival De Bouche à Oreille 2005.

Depuis 4 ans, la Familha Artús explore et revisite le répertoire traditionnel gascon à travers le rock progressif, l’électronica, le jazz et la musique acousmatique. A la croisée des musiques actuelles, traditionnelles et contemporaines, le cosmotrad - style initié par les Artúsans - est une musique cosmique et cosmopolite, à des lieux du « correctement trad », ultramoderne sans aucun doute. Vielles à roue, cornemuses et flûtes à trois trous trouvent toute leur actualité dans la confrontation à l'ordinateur, à l'amplification, et aux miraculeuses petites pédales d'effets.
Entre aujourd'hui et hier, la Familha Artús a trouvé un "son", baptisé cosmostrad ; c'est peut-être le bal de demain... A découvrir les oreilles grandes ouvertes et les préjugés bien cachés au fond de la poche !

Taraf : nom d’origine roumaine, orchestre de village, tribu de musiciens. Goulamas : en Languedocien, individu négligé, peu soigné. En Roumain, artiste d’exception.

Taraf : nom d’origine roumaine, orchestre de village, tribu de musiciens.
Goulamas : en Languedocien, individu négligé, peu soigné. En Roumain, artiste d’exception.

A son arrivée, le Taraf Goulamas installe sa carriole-guinguette. Cet espace aménagé, le voyage peut commencer… En 3 sets, les musiciens partagent avec le public leur amour pour la musique des Balkans et leur plaisir de boire, de discuter et de manger… les escargots qu’ils cuisinent en direct !
Un apéro tout en musique et en fanfare, sur des airs roumains, macédoniens, turcs qui échauffent les oreilles…

Planètes Musiques, sixième édition, entre dans le cœur du pari initié par la Fédération des Associations de Musiques et Danses Traditionnelles voici quelques années :
Pari sur la réalité de musiques traditionnelles vivantes, modernes, convaincantes,
Pari sur l’ouverture vers des lieux de diffusions et des publics non spécialisés du territoire hexagonal,
Pari sur la qualité humaine et musicale des artistes engagés.

Qui sont-ils ces hommes et ces femmes qui chantent, qui jouent, qui rêvent, et font rêver, « trad. » ?
Des créateurs têtus et gracieux comme le Mélonious Quartet autour des mondes universels de la mandoline ou des vielleuses de Tend’M en Centre-France,
Des artistes d’aujourd’hui comme Joan Francès Tisnér, dans l’épaisseur des musiques, aux carrefours du son et du sens, aux confins de l’inouï, de l’improbable et de l’inclassable,
Porteurs d’identités riches, rares, souvent rebelles — Lefeuvre et Diaz dans leur quête contemporaine des nouveaux chemins de la vielle —  
De cultures immémoriales dessinant des paysages intimes, entre berbères d’Ilyes et basques de la création Bilika,
De langues subtiles et sonores comme celles du Duo Tras ou de Laurent Cavalié, moqueuses rivales de la pensée unique,
De traditions qui s’écoutent mais aussi qui se dansent, avec les guadeloupéens de Négoce et Signature, les bretons de Termajik ou les languedociens de Montanha Negra pour fêter le retour des rythmes au plus près des corps et des sens.

Planètes Musiques sera donc à nouveau en 2006,
Une éclaircie dans le brouillard du bruit ambiant et des silences ordinaires,
Un festival des humanités plurielles et des parcours singuliers,
Une escale aventureuse dans l’archipel des musiques multicolores…

Olivier DURIF, Président de la FAMDT

L’opération Planètes Musiques a pour objectif de donner une meilleure visibilité aux artistes des nouvelles musiques traditionnelles. Convaincus du sens et du plaisir que ces musiques peuvent procurer à un large public, Planètes Musiques cherche à sensibiliser les programmateurs des lieux de diffusion généralistes.
Planètes Musiques est produite sous la forme d’une mutualisation de moyens et de savoir-faire entre un lieu de diffusion, un membre du réseau FAMDT et la FAMDT. Chaque lieu de diffusion-partenaire bénéficie de différents avantages : artistique et culturel, médiatique et promotionnel, administratif et financier.

Planètes Musiques, une opération du réseau FAMDT.

Tout le monde connaît la richesse de la musique créole. Avec Reynoir dit Négoce et son ensemble de percussions et guitare Signature, c’est un aspect méconnu de ce patrimoine que l’on découvre : celui des quadrilles guadeloupéens, les
« balakadri », forme guadeloupéenne de musique à danser où la musique et la danse sont totalement imbriquées. D’un côté, on est saisi par la stature et la verve du « commandeur». Il est à la manœuvre et dirige les figures en donnant dans un mélange de vieux français et de créole, une multitude d’injonctions sur les postures à adopter : l’entrée, le pantalon, l’été, la poule, la biguine… En les haranguant, il donne la pulsation et le rythme aux danseurs. Cet art de déclamer, son débit : un parlé-chanté sur un rythme saccadé n’est pas sans faire penser aux rappeurs. De l’autre, on apprécie les qualités de l’excellent accordéoniste Casimir Reynoir, soutenu par une section rythmique hors pair. On trouve chez lui une mélodie puissante et pleine de fantaisie à la fois. On goûte sa virtuosité, ses traits de contrepoint et son swing imperturbable. Le quadrille guadeloupéen, né du choc des cultures engendrés par le système colonial, témoigne d’un véritable métissage des danses par couple (polkas, quadrilles, contredanses) rapportées par les maîtres d’Europe et façonnées par les esclaves à leur manière, à grand renfort de percussions et de rythmes syncopés d’Afrique. Cet exemple d’appropriation et de transformation de cultures différentes revêt aujourd’hui une véritable dimension contemporaine tant sur les questions de sens - il permet de mieux comprendre les mutations liées à une culture – que sur l’aspect musical : l’art de déclamer du maître à danser et le jeu spontané de l’accordéoniste.

Contact :
CASC Festival Gwoka de Sainte-Anne / Félix Cotellon
felix.cotellon@wanadoo.fr

Joan Francés Tisnèr, artiste gourmand et gourmet, fin cuisinier au sens propre comme au sens musical, nous emmène avec sa dernière création dans l’univers bouillonnant d’une cuisine vivante et nous livre un recueil de recettes inventées par un cuisinier imaginaire, J.A. Lespatlut.
L’ouvrage, à mi-chemin entre le livre de recettes et le grimoire lui a donné envie de mêler dans un spectacle son amour de la cuisine, sa passion de la musique et son goût pour l’écriture.
Joan Francés Tisnèr nourrit sa palette sonore auprès de trois sources, sans cesse mixées et bousculées par des traitements sonores (échantillonages, boucles…) :
- des voix parlées de cuisinières tantôt utilisées pour le sens des paroles, tantôt pour leur texture musicale, mélangées au chant de Joan Francés Tisnèr par des procédés sonores,
- des textes triviaux, profonds ou personnels, de grands auteurs occitans contemporains (Max Roqueta, Rogèr Lapassada) ou de sa propre écriture sont également exploités pour leur rythme, leur musicalité ou leur sens.
- les qualités particulières et le parcours de chaque artiste présent sur scène : collectage, musiques traditionnelles, musique électro-acoustique, instruments inventés, chant, improvisation, culture occitane, autant d’outils pour que chacun donne en musique ses propres recettes.
« 12 recèptas de J.A. Lespatlut » est la parole d’un créateur libre, qui, de son histoire particulière, tire un propos universel et plonge les musiques traditionnelles dans un univers à la fois familier et spectaculaire.

Première singularité du duo Lefeuvre / Diaz, les instruments : un duo de vielles à roue. Dans cette formation peu courante, la vielle joue donc le rôle de soliste.
Deuxième particularité, ce duo est avant tout jazz, parce que cette esthétique signifie liberté de ton, liberté d’expression. L’interprétation se veut dynamique et ouverte. Pascal Lefeuvre et German Diaz entendent respecter les traditions, ce qui, pour eux, signifie les faire vivre, les investir, les transcender.
La dernière particularité porte sur le répertoire composé des musiques qu’ils aiment avec comme fil conducteur, Saint Jacques de Compostelle : mélodies traditionnelles et compositions de maîtres comme Piazzola, Ellington, un répertoire ouvert à toutes les musiques…
On pourrait croire que la vielle à roue n’est pas un instrument adapté pour interpréter ces pièces. Au contraire, elle est un moyen d’expression intarissable et surprenant qui permet d’arranger des musiques galiciennes, turques, marocaines, espagnoles et de renouveler ainsi le propos artistique. La vielle soprano et la vielle alto unissent leurs inspirations, élaborent un langage commun, un dialogue en perpétuel mouvement, et donnent à ces mélodies une seconde vie.
Ce répertoire issu des « quatre coins de la terre » s’échoue en Galice. Saint Jacques de Compostelle, but ou point de départ de ce voyage musical ? L’histoire, c’est connu, se répète et la route tourne…

Pascal Lefeuvre est un artiste qui fait référence et école dans le monde de la vielle à roue. Chaque proposition artistique, chaque geste ouvre un chemin nouveau et réaffirme sa vision originale de l’instrument. German Diaz, jeune virtuose espagnol qui pratique la vielle à roue depuis seulement sept ans, est à ses côtés dans cette aventure. Il accomplit là un rêve : celui d’accompagner une idole.
On l’aura compris, ce duo de vielles ne cherche pas la facilité et cette expérience, de toute évidence, creuse un sillon qui tend à élargir les possibilités de l’instrument.

Christian Duro habite en Centre-Bretagne où ses qualités de sonneur de treujenn-gaol (le « tronc de chou » c’est-à-dire la clarinette populaire de la région), de chanteur et sa grande culture de la musique populaire, sont unanimement reconnues. C’est autour de ce personnage que s’est formé Termajik (nom breton pour « saltimbanque, bohémien »), groupe de fest-noz (musique à danser bretonne).
Le répertoire de Termajik est profondément ancré dans la tradition populaire. Il séduit par des chants et une musique sincère, tendue, mais qui restent portés par une énergie vitale.
Termajik redonne sens et vie au trio saxophone-accordéon-clarinette enraciné en Centre-Bretagne depuis des générations. La trompette remplace le saxophone et renforce ainsi le caractère dansant de ces airs et les percussions (bendir, derbouka et cajon) trouvent naturellement leur place. Ces instruments, inhabituels et originaux pour ce style de répertoire, soulignent l’intemporalité et la modernité d’une musique aux accents sauvages tantôt graves, tantôt légers ou festifs.
Ici, point de poudre aux yeux : le groupe témoigne à travers un art simple mais puissant combien la recherche de l’authenticité n’exclut en rien la création.
En fest-noz, les danseurs ne s’y trompent pas. Ils se laissent envoûter par ses airs à la fois sobres et sincères mais terriblement énergiques. Une formule joviale pour une efficacité endiablée !

Quand la contrebasse de Bénété rencontre le chant du "limousindien" Combi, ça meugle, clame, murmure, gémit, psalmodie, allume dans l'urgence des feux intimistes et sacrés, entre blues, improvisation, prière, bourrée, transe chamanique…

Tras est l’histoire d’un duo à part entière, un projet minimaliste voix / contrebasse, à l’équilibre inattendu entre deux individus imprévisibles. Pourtant, deux mondes semblaient les séparer. D’un côté, Bernard Combi, figure incontestée des musiques traditionnelles en Limousin, allie un charisme et une expressivité vocale ahurissante. Cet artiste fulgurant, inclassable, parle d’où il est (à savoir le fin fond de la Corrèze) et assume envers et contre tout son propos, ses textes de collectage, les poésies… Avec une énergie démesurée et quasi-incontrôlable, la scène répond pour lui à une nécessité vitale.
De l’autre, Dominique Bénété, ancien contrebassiste de Benat Achiary dont l’instrument est en filiation directe avec les musiques savantes, illumine la scène par son inventivité. Par sa créativité, il se positionne comme un co-soliste et non comme un simple accompagnateur.
Oubliant leur famille musicale réciproque et leur style de prédilection, rassemblés par une hargne proche de celle du rock, les deux hommes développent un imaginaire d’une autre dimension En prenant comme matériau de départ le répertoire de chansons et de poésies de Combi, le duo peint des paysages sonores qui n’existent pas et qui pourtant semblent familiers. Les créations sonores de Tras donnent une coloration distanciée mais juste du langage traditionnel et préservent l’essentiel, la moelle de la musique.

Berbère Chaoui né en 1972 dans les montagnes d’Aurès (Algérie), Ilyès maîtrise aussi bien le chant traditionnel de son pays que la musique classique : à 12 ans, il animait des fêtes et des mariages, à 17, il dirigeait l’orchestre symphonique de Batna.
Fort de ce double parcours, Ilyès défend une approche ouverte des musiques traditionnelles, loin de la pure tradition mais toujours axée sur la qualité et la cohérence. Il s’inspire des mélodies et des rythmes traditionnels, auxquels il ajoute des harmonies classiques occidentales. L’instrumentarium et le parcours des musiciens qui l’entourent illustrent ce propos. Les instruments traditionnels (oud, khanoun, nay, derbouka…) côtoient les instruments classiques occidentaux : le piano occupe une place centrale mais violoncelle, violon et flûte traversière ne sont pas en reste. La présence de la basse électrique répond aussi à l’envie de donner une énergie et une puissance moderne.
Dans le paysage des musiques croisées, Voyageur est un vrai métissage entre cultures arabes, berbères et occidentales. Cette expérience, porteuse d’un poids politique fort fondé sur la différence et l’écoute, séduit par la maîtrise de la composition, la beauté dramatique des arrangements et la voix de ténor poignante d’Ilyès.
Kamel Guennoun, conteur d’origine algérienne était l’homme idéal pour accompagner le groupe dans sa démarche et le guider sur la mise en scène. Une création lumières, un décor et des costumes ont enrichi ce travail.

Le Melonious Quartet – quartet de mandolines - en fait voir de toutes les couleurs à la mandoline et s’emploie, dans un concert « d’alter-mandoline », à faire voler tous les clichés en éclats.
Peu importe d’où viennent les répertoires (de Satie à Zappa et de Rio à Istanbul) pourvu que le Melonious en joue ! C’est le point de départ du spectacle Le pont de la mando, un concert foisonnant qui réinvente la jinjarra, mandoline provençale à long manche, dans un dialogue avec ses cousins les oud, baglama, guimbri, banjo ou encore mandoline électrique ! En quatre accords, le Melonious Quartet nous emmène sur les différents continents.
La mandoline fait partie de la famille des instruments à plectre (on fait vibrer les cordes avec un onglet). Elle apparaît à l’époque sumérienne - 4000 av JC, puis s’est répandue partout dans le monde sous différentes formes (oud, guimbri…). La formule quatuor est apparue à l’époque classique. Cet instrument, très populaire à travers le monde, l’était également en France jusqu’à la guerre de 1914, où un million de musiciens le pratiquaient. Aujourd’hui encore, il existe un rapport affectif très fort à cet instrument et une pratique amateur dans des orchestres de plectres subsiste dans certaines régions (Alsace, Sud de la France…), loin des clichés du folklore vénitien ou de la mandoline bluegrass.
Aujourd’hui, le Melonious Quartet est reconnu internationalement comme l’un des fers de lance de la nouvelle mandoline. Il tient son originalité, et la réputation qui y est associée, à trois facteurs : l’usage d’instruments très modernes, le choix d’un répertoire inattendu et des compositions pour une mandoline « large d’oreille » et l’aptitude des musiciens à puiser dans la diversité de leurs expériences pour forger un style.
Avec le Melonious Quartet, on touche à la musique de dentellière tant Patrick Vaillant, tel un orfèvre, pousse à son paroxysme l’exigence contrôlée de la précision et de la finesse.

Chants populaires et chants d’auteur, jeux de rythmes et jeux de mots, ambrogliòc (mot inventé pour imbroglio), percussions patoises et tarrabastal vocal (joyeux fracas)… voici Laurent Cavalié seul en scène avec son accordéon.
Un spectacle mené rondement dans une mise en scène joyeuse en prise directe avec le public et l’actualité alter-mondialiste : « Non à l’organisation mondiale du cynisme » scande-t-il en occitan. Voilà pour le contexte.
La musique, elle, est simple : une voix, quelques percussions corporelles pour un répertoire de chants populaires languedociens – du pays audois en particulier – sortis du placard, enfouis dans les mémoires.
Le moteur, lui, est écologique : un accordéon qui tourne au bio-carburant des cultures latines (d’Europe et d’Amérique), cousines du Languedoc. Au-delà de la dimension contestataire. Laurent Cavalié nous amène en visite dans les jardins de la mémoire collective.

Repéré comme chanteur de La Fabrique, Laurent Cavalié poursuit en parallèle une carrière solo. Amoureux de la mélodie, musicien exigent et sans concession, il nous livre son répertoire de chansons occitanes transformant son accordéon en un partenaire-complice, s’accompagnant de battements de pieds et de mains.

À l’origine, il s’agit du duo énergique de deux vielleuses-soprano : Anne-Lise Foy et Laurence Pinchemaille. Ces deux jeunes femmes se connaissent depuis une quinzaine d’années. Elles ont parcouru les mêmes chemins, de stages en concours, et partagé durant une dizaine d’année l’aventure du Viellistic Orchestra. Tantôt enrichi d’une contrebasse, tantôt d’un violoncelle, le tandem fusionne en un véritable quatuor à cordes frottées en 2003.

La « musique trad’urbaine » de Tend’M témoigne d’une volonté d’intégration des provenances musicales de chacun, d’ouverture, de dynamique actuelle et d’échanges, comme l’illustre la pièce « Las tres clavinas », mélodie séfarade sur un texte traditionnel collecté par Achille Millien, collecteur infatigable du XIXème siècle.

Le répertoire de musiques à danser de Tend’M se constitue au fil de leurs coups de cœur et s’équilibre entre reprises, compositions et chants. Enracinés au cœur des musiques traditionnelles du Centre-France, les arrangements sont nourris de multiples influences : musette, classique, arabo-andalou, jazz contemporain. «Les filles» proposent les mélodies et la trame d’arrangement. Léonore Grollemund et Stéphane Arbon composent leurs propres parties mais avec toujours comme contrainte le respect de la danse. Elles aiment aussi reprendre des morceaux qu’elles apprécient particulièrement, reflets de rencontres marquantes comme avec Bernard Lubat.

Tend’M, un quatuor à cordes original où se combinent subtilement le timbre sauvage des vielles aux volutes sonores de la contrebasse et du violoncelle. Une musique urbaine, moderne et poétique.

Les musiciens de Montanha Negra proposent une musique à danser de leur région, la Montagne Noire, rebord méridional du Massif Central. La richesse de ce lieu de passage qui trouve son unité à travers sa langue et sa culture d’òc, inspire à Montanha Negra un répertoire de bal qui fait la part belle au chant occitan et à la bodega (prononcez boudégo). Cette cornemuse locale, jugée comme archaïque et rustique il y a vingt-cinq ans était réputée jouer faux et était menacée de disparition. Aujourd’hui, après un renouveau porté par des passionnés, elle occupe une place centrale dans Montanha Negra. Sòfia Jacques de Dixmude, un des pilliers du groupe, a contribué au retour de la bodega, attirée à la fois par le côté visuel de l’instrument (la bodega fait corps avec le musicien) mais aussi par sa sonorité et son identité.
Dans un foisonnement musical organisé et de grande qualité, les sept musiciens de Montanha Negra associent un fabuleux mélange de percussions diverses et de steel-drums (tambour mélodique métallique) aux bodegas, boha (cornemuse occitane des Landes de Gascogne), camba de feda (clarinette), flabuta (flûte à trois trous) et graile (hautbois occitan de la Montagne Noire).
Au cœur de la bande, Pèire Brun chante, comme un pantin désarticulé, son pays et la vie de ceux qui l’ont construit. Cette voix au timbre, à la puissance et à l’énergie communicative, ajoute encore une nouvelle dimension à ce savant édifice musical.
Montanha Negra est aujourd’hui reconnue comme la formation idéale pour animer les bals occitans « concertants » (un bal où l’on peut écouter ou un concert que l’on peut danser) et les passe-rues.
Ce groupe innovant est parmi les plus appréciés d’Occitanie pour son originalité, son talent et son énergie décuplée. Parions qu’il saura séduire bien des danseurs…

Rendez-vous des nouvelles musiques traditionnelles, Planètes Musiques est plus qu’un festival. C’est le révélateur d’une formidable dynamique où patrimoine et création musicale œuvrent à l’avènement de formes originales.

Pour sa 5ème édition, le Festival fait peau neuve. Une sélection de spectacles est présentée à Paris, Maison des Cultures du Monde, puis en tournée dans les régions. Un album rassemblant des œuvres des artistes au programme est publié en amont des concerts. Des rencontres professionnelles accompagnent le double lancement du Festival nouvelle formule et de l’édition 2005-2006 du Guide Planètes Musiques (CIMT/IRMA).

Le Festival Planètes Musiques est une rare occasion de ressentir ce souffle créatif qui associe les musiques traditionnelles avec les arts plastiques, la scénographie, le conte moderne, qui emprunte aux langages du jazz, de l’improvisation, comme aux langues régionales ou étrangères. C’est un moment éphémère où éprouver les prodigieuses ressources des traditions musicales en faveur du renouvellement durable de la diversité culturelle.

Loin des approches identitaires fermées, le Festival Planètes Musiques présente le travail de compositeurs et musiciens qui inventent les vocabulaires d’esthétiques contemporaines à géométries culturelles variables ; qui bousculent les frontières artificielles imposées par le «marché »  pour faire sonner au quotidien la singularité des musiques issues de traditions profondes.

Ces nouvelles formes de créations sont irriguées par l’énergie constante d’un réseau de relais sur tous les territoires qui composent la France. À travers ce maillage, des générations de femmes et d’hommes œuvrent à la transmission du « chanter », du « sonner » légués par les anciens. Quels que soient leurs terroirs d’origine, ils trouvent des synergies pour donner aux nouvelles musiques traditionnelles leur plein sens dans la société multiculturelle d’aujourd’hui.

François Bensignor,
Directeur du CIMT et membre du conseil d’administration de la FAMDT

Eric MONTBEL, musicien, chercheur, collecteur, n’en est pas à sa première mise en scène d’aventures hors normes… Une nouvelle fois, il propose avec sa création La Charmeuse de Serpents un projet unique, novateur et ambitieux, un spectacle original et pluridisciplinaire qui met en musique l’imaginaire du peintre Henri Rousseau dit « Le Douanier ». Cette approche se justifie par l’apparente simplicité, qualifiée à tort de « naïveté » que partagent les musiques traditionnelles et l’univers du peintre. De plus, le Douanier était lui-même musicien. Dans ses toiles, les instruments évoquent un autre monde, celui de la nuit, du mystère et du rêve, annonce inconsciente, selon Eric MONTBEL, de ce que sera le siècle de la globalisation et de la world-music.

Les neuf pièces musicales, composées par Eric MONTBEL, explorent le répertoire traditionnel avec un ancrage Centre France au travers des instruments et des rythmes (valse, bourrée, scottish) avec des échappées pop, jazz, fanfare et musique de cirque.
Le spectacle met en scène cinq musiciens et une danseuse. Chaque toile est accompagnée d’une pièce instrumentale et chorégraphique, interprétée par des artistes reconnus (Gilles CHABENAT, Alain BRUEL…). Maud BLANC, danseuse de formation classique et modern jazz, improvise sur la mélodie et les images. Les artistes jouent sur une scène-écran, immergés dans les tableaux projetés par un procédé de rétro vision mis au point par Serge ORTEGA qui permet de « visiter » les toiles de Rousseau, de les transformer en temps réel, et de proposer des réactions visuelles en liaison avec les moments musicaux.
Le tableau la « Bohémienne endormie » s’appuie, par exemple, sur l’utilisation d’une bande préenregistrée sur laquelle improvisent une clarinette de roseau et une vielle à roue. Puis une musique de fanfare apparaît, ambiance de cirque avec accordéon et percussions. Sur scène, un personnage mi-enfant mi-nain grandit au fur et à mesure de l’évolution de la musique et des tableaux d’enfants apparaissent.

Aux toiles du Douanier Rousseau répond une balade instrumentale dans un univers onirique…

L’aboutissement de la musique arabe réside dans les qualités d’improvisation et de navigation entre les modes. Avec sa création « Tesnime », qui signifie en arabe littéraire « le parfum de la fleur », le duo KHALED BEN YAHIA et DORSAF HAMDANI nous emmène au paroxysme de cet art tant il suggère la sensibilité et la poésie de ce style musical dont on retrouve les arômes élégants et sensuels.

Fin connaisseur des modes et virtuose du oud, instrument incontournable de la musique arabe, Khaled BEN YAHIA, musicien, compositeur, enseignant, mène une carrière partagée entre la France et la Tunisie. Il excelle dans le taqsim (improvisation instrumentale), reflet de sa dextérité. Il module ses improvisations avec sensibilité et créativité, maintenant son auditoire en haleine et se jouant de l’assistance lors des points d’arrêt, se grisant d’improvisations à la fois très libres, très audacieuses et sévèrement réglementées.

Dorsaf HAMDANI, étudiante en doctorat de musicologie à Paris, est réputée pour sa connaissance pointue des modes et leur maîtrise. Le timbre unique de sa voix, qui évoquent les grandes chanteuses de l’Egypte, et son extrême justesse transforment ses mawel (improvisations vocales) en enchantement mélodique. De variations démesurées en ornementations illuminées, tous deux naviguent hardiment autour des modes de la musique classique orientale et plongent dans les inflexions profondes de l’âme pour livrer leurs émotions et leurs intuitions.

En somme, la modernité du Duo Khaled BEN YAHIA et Dorsaf HAMDANI réside dans la simplicité de leur art mais surtout dans l’osmose entre les deux artistes.

Autrefois musiques à danser pour une grande partie du répertoire, la Compagnie Léon Larchet propose un concert instrumental et bavard autour des musiques d’Auvergne : au-delà de la musique, le quatuor porte un regard sur l’actualité et évoque différents sujets tels que la condition des femmes, l’avenir des enfants, certaines violences… ;

D'un point de vue musical, ce spectacle donne à entendre des nouvelles musiques d'Auvergne. Elles sont une vision moderne de ce que peut être la bourrée aujourd'hui quand elle n'a pas pour fonction de faire danser. Composées par Jac LAVERGNE principalement autour de l'accordéon et du violon, ces musiques ont gardé l'énergie qui caractérise les répertoires auvergnats depuis longtemps.

Ce titre convient assurément bien à l’ensemble tant il se situe entre les mélodies de routine et les mélodies dites modernes, entre un son d’hier et celui d’aujourd’hui, entre une vision mythique de l’Auvergne et l’acception d’influences nouvelles. Violon et accordéon occupent une place prépondérante car, en raison de leur ouverture, ces instruments permettent des arrangements inspirés. Les compositions non-académiques, l’absence de linéarité dans les rythmes et la constante oscillation entre le jeu de violon et les envolées mélodiques suggèrent des ambiances multiples, accentués par les propos inspirés de l’actualité intercalés entre les instrumentaux. Le musicien invite le spectateur à la réflexion.

Ce concert s’est façonné au fil des ans par la rencontre d’un pays et de gens singuliers. L’Auvergne y est peinte sans complaisance mais avec l’énergie et les émotions que cette région porte en elle.

Thierry BERTRAND, veuze, hautbois
Sébastien BERTRAND, accordéon diatonique
Thierry MOREAU, violon, violoncelle
Youenn LANDREAU, chapman stick
Stéphane ATROUS, saxophones
Sylvain FABRE, percussions

Discographie :
- Couleurs racines, sortie janvier 2005     → extrait : Suite de Maraîchines
- Carte blanche, Duo Bertrand & 9 Invités (Label Ouest, 2002)
- Fleur de sel (Label Ouest, 2001)
- Musique d’hier pour aujourd’hui (Arexcpo, 1993)

Le Duo Bertrand en Cie repose initialement sur une histoire de famille : l’oncle, Thierry BERTRAND, sonneur virtuose d’une veuze puissante, cornemuse locale qui avait disparu et le neveu, Sébastien BERTRAND, accordéoniste traditionnel très « rythmique ».

Ils ont commencé par rencontrer et enregistrer les « anciens », animer des bals, des veillées, faire vivre une tradition orale très riche. Aujourd’hui, ce duo est devenu une formation emblématique des musiques traditionnelles de France et plus particulièrement du répertoire du marais breton vendéen, région charnière entre la Bretagne et le Poitou, berceau des danses maraîchines.

Désireux de toujours ancrer sa démarche artistique dans les mouvements musicaux qui l’entourent, le Duo Bertrand, augmenté de cinq musiciens issus d’autres horizons musicaux (jazz, trad ou classique) fait évoluer le patrimoine de sa région à travers une création intitulée : « Couleurs racines ».
 Cette démarche originale inscrit pleinement le Duo Bertrand en Cie dans une pratique des nouvelles musiques traditionnelles. Le collectage reste la source de cette aventure musicale. Après une écoute attentive et sélective de pièces collectées, ils mettent en musique, transposent, façonnent les morceaux retenus en fonction des possibilités techniques des différents instruments et des sensibilités musicales de chacun, poussés par le désir d’imaginer des arrangements cohérents avec la danse.

Ce travail riche à partir de la matière brute donne naissance à des compositions originales, des arrangements novateurs, des sonorités puissantes. La configuration à six musiciens permet des dialogues inattendus. La veuze s’acoquine avec le violoncelle, le diato avec le saxo, pour proposer un brassage d’atmosphères qui navigue sur le répertoire vendéen, oscille ente jazz et musiques du monde, et livre de manière immédiate ses émotions : brutalité, délicatesse, virtuosité. Le septet a su retrouver la sensibilité à fleur de peau caractéristique du duo originel.

Autant de couleurs et d’émotions qui tracent la voie entre les musiques d’hier et les influences d’aujourd’hui.

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Trois - Quatre !
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Ils n’ont pas 30 ans mais ils jouent ensemble depuis 20 ans !…
Le quintet Hamon-Martin présente son nouveau concert : chansons d’amour d’une grande poésie qui, au-delà des racines bretonnes et des influences jazz transcendent les genres musicaux et inscrivent résolument ce groupe dans une pratique artistique actuelle. Une énergie particulière se dégage de leur interprétation, énergie qu’ils ont puisée dans leur expérience et leur passion des festoù-noz à la source desquels ils ont grandi.

Le groupe repose sur la rencontre musicale entre un duo instrumental et un chanteur. Janick MARTIN, accordéoniste diatonique d’une grande aisance technique, se balade entre swing manouche et musique du monde. Son complice, le talabarder Erwan HAMON, offre un jeu de bombarde varié entre puissance et raffinement. En ce qui concerne ce duo, l’histoire pourrait se résumer ainsi : virtuosité, créativité, complicité absolue…

Quant à Mathieu HAMON grand frère d’Erwan, au timbre de voix chaud, large et profond, sa présence sereine et son interprétation sobre mais précise en font l’un des meilleurs chanteurs bretons actuels. Grand collecteur de répertoire d’une maturité vocale certaine, Mathieu se définit comme « paysan chanteur » alternant travail à la ferme, concerts et festoù-noz. Il décline, en français, des histoires d’amour d’une grande poésie, nourries de la vie aux champs, proches de la nature, puisées dans un répertoire de haute Bretagne. La puissance évocatrice de sa voix invite au rêve.

Autour de ce noyau familial, la finesse des jeux de Ronan PELLEN et Erwan VOLANT apporte une richesse rythmique et harmonique teintée de jazz et de blues et souligne la profondeur du dialogue et de la narration.

Contact :
Esta-Fête
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Toujours sur les sentiers de territoires imaginaires, avec sa création sur le thème de l’eau, Ténarèze continue son exploration des musiques traditionnelles de l’hexagone et du monde avec en trame de fonds un certain ancrage du côté de la Gascogne. De compositions originales en mélodies traditionnelles revisitées et « bidouillées », de textes mis en musique en chants traditionnels réarrangés (en occitan et en français), Ténarèze navigue dans un univers singulier, hors du temps et des modes lamineuses, et pourtant très actuel.

Plus que jamais, ce nouveau spectacle repose sur une lutherie insolite et délirante, inventée et fabriquée par ces musiciens adeptes de la récupération et du bricolage. Ténarèze dispose ainsi d’un instrumentarium introuvable dans tout magasin de musique : un manche à balai (escoubophone) sonne comme une véritable clarinette, un siphon de lavabo, tube tortillard en pvc (polychlorure de vynilophone) se prend pour une clarinette basse, des saladiers en plastique transparent se réincarnent en tambours à eau. A ces trouvailles instrumentales toutes droites sorties de l’imagination d’Alain « Kachtoun » CADEILLAN, s’ajoutent les instruments préparés par Laurent ROUSSEAU comme le placapied, pièce de machine à laver amplifiée ou le saucier à clou, matériel rythmique électroménager amplifié. Quant à la vielle à roue électroacoustique, équipée d’un nombre inhabituel de cordes et de capteurs qui permettent toutes sortes de traitements et bidouillages électroniques, elle devient une véritable usine à gaz sonore… Le spectacle est à la fois sonore et visuel.

Ténarèze, quatuor non-conventionnel, propose une musique intemporelle et universelle qui intrigue. Ces curiosités transversales méritent le détour…

YOMGUIH et Denis CUNIOT, que trente années séparent, sont réunis par une même passion : la musique klezmer à laquelle ils apportent une touche personnelle à base d’arrangements originaux et d’improvisation. Puisant dans le jazz, les musiques traditionnelles d’Europe de l’Est ou de l’Inde, ils proposent une lecture radicale et audacieuse du répertoire et provoquent une interaction entre modernité et tradition.

Denis CUNIOT, pianiste « klezmer » a pris part au renouveau du genre en France dès le début des années 90 notamment au côté du clarinettiste du groupe Bratsch. Il a enregistré depuis plusieurs disques et composé des musiques de films.

YOMGUIH, jeune clarinettiste premier prix du CNR de Paris, accompagne toutes les figures de la chanson yiddish en France et participe notamment aux spectacles d’A. Ionatos et U. Lemper.

Ensemble, ils nous emmènent dans un univers d’une grande musicalité, sur un rythme vif et enjoué. Bien qu’explosif et nerveux, voire dissonant, le dialogue fonctionne toujours parfaitement entre ces deux complices dont le plaisir de jouer s’avère très communicatif. Si la clarinette conduit souvent les parties mélodiques et se lance dans des improvisations d’une grande aisance due à une excellente maîtrise instrumentale, le piano nous offre aussi de très bons développements qui mettent en valeur la frappe si particulière de Denis CUNIOT avec une référence manifeste au jeu du cymbalum.

La clarinette majestueuse dans la tristesse, violente dans la tendresse, véloce dans les cadences, et le piano, tantôt swing, tantôt jazzy, fusionnent, dans un bouillonnement de sentiments contrastés, pour une approche résolument contemporaine des musiques klezmer.

Contact :
Denis Cuniot
Tel. 06 32 63 24 40

Elevé à l’école des bals traditionnels, Gadalzen a choisi d’offrir au répertoire occitan une alternative, en croisant les musiques urbaines avec des matériaux traditionnels. Il nous invite à la découverte de son deuxième album, enregistré à l’automne et composé de cinq morceaux chantés en occitan et de six instrumentaux.

Gadalzen s’appuie sur une base à la fois vocale et instrumentale et se nourrit du vécu et des influences de chaque membre du groupe. De culture occitane, Gadalzen s’approprie la richesse des musiques de transmission orale, source d’inspiration, et l’énergie des musiques amplifiées pour créer son propre univers musical. L’innovation repose non seulement sur les compositions et arrangements imaginés par le groupe en fonction des contraintes instrumentales et rythmiques (notamment l’absence de percussions) mais surtout sur une volonté d’utiliser différents champs musicaux comme la modalité, la tonalité, d’explorer les gammes extra-occidentales, de s’amuser de l’électrification. Il en découle un son particulier et des compositions qui mêlent musiques traditionnelles, influences rock, funk et jazz.

Ces choix esthétiques les poussent à transgresser les genres et les conduisent à une prise de risque permanente dont il découle des arrangements surprenants, atypiques et festifs.

Gadalzen offre un cocktail musical novateur et généreux, porté par une énergie et un enthousiasme réels, d’une folie douce malicieusement distillée. Nul doute, cette alternative occitane bouleverse les musiques traditionnelles habituelles et s’inscrit dans une pratique urbaine qui séduit les publics jeunes, comme en témoigne leur passage au Bikini de Toulouse.

Contact :
Alem Alquier
Tel. 05 63 58 15 78
alem.alquier@free.fr

Musicien violoneux depuis l’âge de seize ans, chercheur, collecteur, formateur ouvert à la question de l’improvisation musicale, artiste accompli et reconnu, Jean-François VROD se met en scène dans un spectacle pluridisciplinaire d’une réelle profondeur artistique, hors de tout sentier battu.

« L’Idiome du Village », spectacle pour violon, dispositif sonore et projections d’images établit un parallèle entre l’Art Brut, « productions de gens indemnes de toute culture artistique » selon le peintre Jean DUBUFFET, et les arts de la tradition orale (musique, conte….).

Cette mise en perspective des différents courants esthétiques et idéologiques qui se retrouvent sur le chemin commun de l’Art Brut ouvre un champ large pour la réalisation du spectacle. Ainsi, pour suivre l’exemple de ces artistes souvent pluridisciplinaires, Jean-François VROD se fait tour à tour musicien bavard et montreur d’images.
Sur le plan narratif, il raconte des textes écrits par les artistes eux-mêmes, des comptines populaires et leur prolongement (par exemples, les jeux rimés, les contredits de la tradition languedocienne, les mots sauvages), des cycles d’histoires particulièrement présents dans la tradition orale (les mensonges, villages de fous…) et tout texte narratif qui fait appel à un imaginaire grotesque, débridé, exagéré ainsi que des récits de vie de quelques artistes marginaux.
L’aspect conté est ponctué, soutenu, porté par des musiques récupérées ou composées. Jean-François VROD approfondit par ce biais la question du rapport entre composition et improvisation en exploitant une matière de tradition orale. Pétri par le répertoire et les façons de faire des violoneux traditionnels, il poursuit le travail déjà engagé visant à considérer le violon comme objet à produire de la matière sonore.
Parallèlement, chaque étape de ce spectacle « rustique moderne » fait l’objet d’un traitement particulier : mise en lumière, projections d’images fixes, jeu d’ombre, illustration, avec en filigrane la problématique du recyclage et de la récupération, fondement de l’Art Brut très présent dans les musiques traditionnelles.

Les Alpes méridionales forment un creuset où viennent se fondre les multiples échanges entre Provence et Pays niçois d’un côté, Piémont et Ligurie de l’autre. Ce brassage a donné naissance à des cultures fortes, enracinées, vivantes. Le chant polyphonique est une des richesses de ce patrimoine actuel et authentique à la fois.

Après dix-sept ans d’activité, de nombreux concerts, sept disques, le Corou de Berra, dirigé par Michel BIANCO, est devenu la référence de cette mouvance musicale des Alpes méridionales. Il nous invite à découvrir leur dernière création.

« Miédjou », création contemporaine en langue niçoise pour chœur et instruments, constitue une branche du chantier vocal de Corou de Berra, qui prolonge ainsi par la composition, la vie d’un répertoire en perpétuelle évolution, preuve qu’il s’agit bien là de tradition vivante. Ici l’orchestre à cordes vocales, dont la vocation initiale était le chant a capella, ose la rencontre avec un instrumentarium (contrebasse, vielle à roue, mandoline et batterie). Le fruit de cette cohabitation semble de prime abord insolite mais la difficulté est franchie sans encombre puisque cette version instrumentale donne la pleine mesure des possibilités mélodieuses du chœur. La vocalité occupe donc toujours un rôle prépondérant tout en faisant en sorte que chacun trouve sa juste place. Ainsi, les parties instrumentales répondent avec légèreté et discrétion aux voix nuancées et soulignent, tantôt en couleur, tantôt en pulsation, les créations contemporaines.


« Miédjou » s’inscrit dans un univers musical subtil et équilibré qui joue habilement des entrées des uns, des sorties des autres, des différentes associations possibles, des volumes contrastés. Un son très acoustique et des timbres chaleureux.

La rumba, c’est l’âme des gitans catalans... une rythmique vive, caractéristique, envoûtante qui fait partie de la vie de tous les jours, et est pratiquée comme une respiration aussi bien pour les moments sacrés (assemblées religieuses), les fêtes familiales et les mariages qui réunissent régulièrement l’ensemble de la communauté. La musique est avant tout une affaire de famille.

Antoine « Tato » GARCIA a passé son enfance dans un univers de chanteurs et la guitare est rapidement devenue son second souffle, une vraie passion. Après un parcours impressionnant au sein de Tekaméli avec la chanteuse et étincelante danseuse Sabrina ROMERO, il change de cap en 2002 avec la création de Kaloomé (« kalo », le gitan et « omé », la profondeur de l’âme).

La formule musicale est originale et privilégie les cordes avec un trio violon, violoncelle contrebasse qui portent les chants en espagnol, ponctués de quelques mots en kalo (langue gitane), grâce à de subtils arrangements soutenus par une belle variété de percussions. La complémentarité des voix est l’une des forces de l’ensemble depuis l’arrivée de Madjid, jeune chanteur algérien inspiré, qui sait à merveille développer contrepoints et réponses aux polyphonies aériennes de Sabrina et Tato. Le violon de Caroline, le violoncelle de Elodie et la contrebasse de Guillaume inventent une alchimie et un son qui trouvent des réminiscences tsiganes, orientales ou classiques. L’arsenal de percussions de Josèp et Chris vient ciseler en nuance les créations originales ou les adaptations du groupe.

Olivier DURIF
Président de la FAMDT

Barbara Furtuna est un chœur d’hommes entièrement voué au chant polyphonique corse. L’entremêlement des voix est à la fois très organisé et très spontané. L’unité fusionne avec le collectif.
Parmi les cinq membres du groupe, plusieurs ont déjà participé à des expériences musicales majeures comme ‘A Filetta’ ou ‘Giramondu’. Enrichis de ces parcours, ils reviennent aujourd’hui à un esprit plus traditionnel, où la voix est l’instrument essentiel, sans adjuvant de technique, ni accompagnements musicaux sophistiqués.
Leur répertoire se compose de chants traditionnels sacrés, chants toujours interprétés lors des messes de mariage, des défunts ou de la Semaine Sainte. En plus du répertoire liturgique, Barbara Furtuna propose des mélodies profanes, sur des thèmes comme l’amour ‘Violetta’ ou l’exil ‘Barbara Furtuna’.
L’originalité du groupe relève de sa capacité à puiser dans les deux styles existants en Corse : ‘l’école montagnarde’, au chant vigoureux et rustique, et ‘l’école de la mer’, adoucie par les influences extérieures. Cette alternance donne un rythme tonique et intense à leur prestation.
Barbara Furtuna parvient aussi à nous faire voyager dans l’espace, grâce à des adaptations de textes étrangers (sarde, toscan, géorgien), et dans le temps. Barbara Furtuna veut montrer, à travers créations et adaptations (du Temps des Cerises en Corse notamment), les apports d’un monde en perpétuelle évolution. Le tuilage de quatre, voire cinq voix, au lieu des trois habituelles, dévoile des couleurs inédites aux intonations hispanisantes et arabisantes.
Barbara Furtuna inscrit le patrimoine polyphonique dans la tradition de demain.

Raul Barboza est né à Buenos-Aires en 1938, de parents d’origine indienne guarani (nord-est de l’Argentine). Dans la province de Corrientes, sur le littoral Nord-Est de l’Argentine, aux confins du Brésil, de l’Uruguay et du Paraguay, un brassage musical s’est opéré au XIXème siècle entre les influences indiennes sensibles aux rythmes et aux voix de la nature (chant des oiseaux, clapotis de la pluie, galot des animaux) et des influences européennes (polkas, mazurkas et valses apportées par les immigrés tchèques et polonais). Ce métissage a donné naissance à une musique gaie, virevoltante et pourtant pleine de nostalgie : le chamamé (prononcer tchamamé).
Cette musique populaire jouée dans les fêtes et les carnavals, Raul Barboza la découvre dès le plus jeune âge, à l’écoute de son père, ouvrier, chef d’orchestre et guitariste. Mais plutôt que la guitare ou le bandonéon, il choisit l’accordéon chromatique.
Doué d’un immense talent, il devient l’ambassadeur de cette musique, qui rappelle parfois le tango ou le milango, à travers le monde. Mais contrairement au tango devenu une musique académique, le chamamé a su rester une musique populaire, dénuée de règles préétablies, avec une grande liberté d’esprit et d’improvisation. Raul n’hésite donc pas à multiplier les rencontres musicales, avec Marcel Azzola, Richard Galliano ou bien encore Marc Perrone, et au fil du temps confronte le chamamé au jazz, à la musique européenne, au musette, tout en restant attaché aux valeurs de son enfance, croyant aux esprits qui le protègent, fidèle aux rythmes de la nature.
Raul Barboza puise dans ce parcours personnel à la fois ancré et ouvert sur le monde, une force créatrice d’une grande sensibilité. Mi-fou, mi-sage, Raul Barboza peint à l’accordéon des paysages colorés et imaginaires, imprégnés de multiples traditions.

Fondé par le virtuose de l’accordéon chromatique Neno Koytchev, le groupe Krachno Horo était à l’origine un orchestre de noces de la ville de Gabrovo (Bulgarie). Installé en Italie, Neno Koytchev est aujourd’hui le seul musicien bulgare de Krachno Horo nouvelle formule, cocktail de musiciens aux trajectoires variées : François Carpita, guitariste aux influences jazz, est considéré comme l’un des rares spécialistes de la Tambura (guitare des Balkans) qui ne soit pas bulgare. Nicola Marinoni, batteur italien, dont l’esprit d’invention est très recherché, est un véritable ‘touche à tout’. Christine Villiard, bassiste, a suivi un parcours atypique l’amenant du heavy metal au jazz fusion…
Krachno Horo ainsi constitué crée une musique nouvelle où le caractère virtuose et festif de la musique des Balkans, toujours présent dans le style, dans les ornementations, rencontre les influences italiennes et des intonations jazz. Neno Koytchev parvient, en tirant le meilleur de chaque personnalité originale qui l’entoure, à recréer un vocabulaire balkanique unique, à impulser un nouveau type de jeu, souligné par la précision de l’accordéon et des percussions. Krachno Horo a su trouver l’équilibre entre une recherche de longue haleine au cœur de la tradition balkanique et une expérience humaine singulière. Un pied dans la tradition, l’autre dans la création, Krachno Horo trace son propre chemin.

Lo Cor de la Plana (prononcez ‘Lou couar dé la plane’ et traduisez ‘Le cœur de la plaine’), ensemble polyphonique de cinq chanteurs originaires du quartier de la plaine à Marseille, revisite le répertoire des chants religieux provençaux en leur appliquant la technique du chant polyphonique. L’approche est assurément novatrice et ils dégagent sur scène une force et une énergie hors du commun.
Le groupe parvient à tirer d’éléments aussi rudimentaires que les percussions corporelles (picaments de pieds et bataments de mains) un sens et une énergie inépuisable, à mille lieux de modèles standardisés.
L’intensité du Cor de la Plana repose sur l’alchimie des polyphonies et des polyrythmies issues des répertoires occitans, colorées d’éléments présents dans la culture marseillaise d’aujourd’hui (ragga-mufin, techno-groove…).
Pleinement investi de ces musiques, Lo Cor de la Plana se lance aujourd’hui dans une réinterprétation des musiques à danser occitanes. Les chansons sont inspirées des danses anciennes (danses populaires comme les bourrées, farandoles, rigaudons) ou de courants musicaux actuels (rock, ragga, techno) et font l’objet d’une réadaptation aux formes musicales en présence : voix, percussions corporelles, tambours sur cadre et moyens électroacoustiques de transformation des voix : vocodeurs, effets électroniques, octaveurs, …  
Les textes, créations originales des membres du chœur, commentent de façon poétique les sensations ressenties lorsque l’on danse.
L’implication sociale de Manu Théron et de ses acolytes dans des associations de quartier où ils animent des ateliers de chants traditionnels occitans près d’une centaine de femmes de tous milieux et de toutes origines est une source d’énergie intarissable qui alimente leur inspiration.

Le Syndrôme de l'Ardèche trouve sa place dans le paysage musical actuel où se rencontrent les musiques traditionnelles, des mélodies inédites et la spontanéité du jazz.
Stéphane Méjean, leader du quintette, a une grande pratique du jazz de style ‘modal’, dans la lignée d’un John Coltrane, qui lui-même s’inspirait beaucoup de musiques traditionnelles.
Ses compositions puisées dans le répertoire traditionnel, riche, varié, résolument festif, du Vivarais et des Cévennes, mêlent l’accordéon diatonique aux percussions venues d'autres horizons, marient les cornemuses aux cuivres échappés des fanfares...
Les mélodies collectées (bourrées, rigaudons, polkas, marches nuptiales) sont habillées de nouvelles harmonies, de couleurs et d’inflexions venues du jazz. Si le cadre est mûrement réfléchi, il laisse suffisamment de liberté pour s’adonner à l’improvisation.
Le tout donne une musique aux timbres originaux et aux couleurs audacieuses, truffée d'inflexions rythmiques inhabituelles en musiques traditionnelles.
Le Syndrôme de l'Ardèche bouscule les styles et créé une musique traditionnelle d’un nouveau genre, qui fait penser à des compositions impressionnistes : les mélodies s’esquissent et s’enchaînent sans jamais se dévoiler pleinement.

Contact :
Stéphane Méjean
Tel – fax : 04 75 07 00 76
le.syndrome@wanadoo.fr

Pour la création de Hédiyé (le cadeau en turc), Michel Bismut s’est entouré du trio de cordes classiques Zéphyr, associé à Max Grèze, joueur de saz, luth turc à long manche et François Ceccaldi, percussionniste aux influences orientales.
La Cie Bismut lance donc le pari de réunir dans une même création l’incarnation de la musique classique occidentale par excellence et des instruments traditionnels orientaux et réalise la synthèse de différentes traditions musicales : africains, espagnoles, turques, tziganes…
La Compagnie invite au voyage dans un univers sonore où les cordes classiques côtoient les chants populaires, où les rythmiques orientales rencontrent le blues et le jazz, où les chants à l’unisson répondent aux improvisations. Max Grèze chante en turc, alors que les violonistes du trio Zéphyr chantent une langue inventée, dont les sonorités évoquent la Méditerranée.
Dans la frénésie des couleurs qui s’entremêlent, on ne sait plus si le monde musical imaginaire de Bismut s’ouvre aux sonorités méditerranéennes ou si les musiques d’ailleurs cherchent un point d’ancrage.
Grâce à la personnalité et au talent d’écriture de Michel Bismut, l’alchimie s’opère, à mille lieux du patchwork musical.
Création polyglotte, pluristyle et plurielle, Hédiyé respire la Méditerranée d’aujourd’hui.

Françoise Atlan se joue des frontières et invite à une promenade musicale dans l’univers poétique des juifs d’Espagne.
Un attachement profond à la tradition arabo-andalouse, dû à ses racines judéo-orientales, doublé d’une curiosité la conduisant à une recherche musicologique constante, ont amené Françoise Atlan à se passionner pour les musiques du bassin méditerranéen.
De formation classique, elle peut, grâce à sa technique vocale, aussi bien interpréter le répertoire lyrique que les pièces contemporaines sans oublier les berceuses judéo-espagnoles chères à son cœur.
Son répertoire mêle les romances séfarades, les pièces du répertoire classique arabo-andalou, les chants religieux juifs et chrétiens, mâtinés d’influences médiévales, orientales et populaires.
Sa voix d’une grande pureté distille des nuances subtiles et profondes, avec une parfaite maîtrise de l’ornementation et des vocalises naturelles.
A cappella ou accompagné d’un luth ou bien d’un zarb iranien, Françoise Atlan revivifie et inscrit dans le présent le parfum d’une tradition plusieurs fois séculaire.

En programmant Marc Anthony dans sa formule concert ‘Autre Chose’, nous souhaitons briser l’image passéiste de la vielle à roue, instrument emblématique du folklore et démontrer que ces instruments issus de la tradition s’inscrivent dans une pratique musicale actuelle.
Depuis ses débuts, Marc Anthony a multiplié les expériences dans divers domaines musicaux, passant de formations instrumentales très ‘trad’ à des formules plus ‘variétés’, de la musique médiévale à l’improvisation électro-acoustique.
Passionnés par les sons, il explore les paradoxes de cet instrument résolument actuel de par son électronique et les sonorités originales qu’il génère. Cette expérimentation sonore confère à son propos musical un caractère très affirmé et hors d’âge.
Les bourdons suggèrent une attirance pour la musique modale et la rythmique une volonté d’équilibrer tout ça. Les ambiances sonores entrecoupant les mélodies colorent l’ensemble d’une façon très contrastée, très personnelle. Sans équivoque, ce que l’on entend est l’expression d’une sensibilité contemporaine nourrie d’histoire et de mémoire. Marc Anthony réussit le pari de la modernité.

Justin Vali, de véritable nom Rakotondrasoa, tire son nom de scène de son immense talent pour jouer et fabriquer le Valiha (prononcez Vali), instrument à cordes national malgache, bambou creux le long duquel le musicien a détaché des fibres pour obtenir 16 cordes. Justin est originaire des hauts plateaux de Madagascar et descendant d’une famille de musiciens de la cour royale. Son père, grand maître-fabricant de valihas, va l’initier dès l’âge de cinq ans à la fabrication et aux techniques de jeu de cet instrument qui accompagne toute la vie sociale malgache (fêtes, lamentations funéraires, mélodies pour accompagner le travail…)
Très vite, il développe son propre style musical tout en finesse et en virtuosité. Il tire avec une dextérité fascinante mille sonorités de ce simple morceau de bambou.
Installé en France dans les années 80 au sein de la communauté malgache, il devient l’ambassadeur du valiha. Accompagné de Dodo Tovoarimino à la guitare acoustique et Héry Andrianasolo à la kabyle (sorte de mandoline), il nous fait découvrir les thèmes traditionnels malgaches et explore les potentialités harmoniques, rythmiques et mélodiques de l’instrument. Pour cela, Justin n’a pas hésité à se fabriquer une valiha en tôle à la sonorité plus grave, à l’aide de bidons récupérés et de câbles de frein de motos. Imaginatif et généreux, Justin Vali fait swinguer les cordes sensibles…

Séduits par la prestation des ‘Ours du Scorff’ en 2002, nous avons souhaité cette année réinviter deux de ces ‘plantigrades’ qui ont décidé de faire tanière à part dans un type de répertoire pour adulte, afin de mettre en valeur leurs qualités et leurs sensibilités musicales intrinsèques.
Lors Jouin et Soig Sibéril ont repris l’immuable principe du chant à répondre, dont la pratique était autrefois largement répandue en Bretagne. Mais plutôt que de Kan ha Diskan, on parle ici de Kan Ha Gitar…. car il s’agit bien d’une guitare cristalline qui répond au chant, et c’est dans cette subtilité que réside toute l’originalité de ce duo.
Les deux compères nous livrent un répertoire exclusivement consacré à la chanson en langue bretonne. Paroles et mélodies traditionnelles ou signées de la plume de Lors Jouin sont l’oeuvre d’un véritable travail de (re)-création. Avec truculence, il est question des amours de Marie-Louise ou des malheurs d’un gars bien naïf... Chansons légères, mélodies coquines et textes paillards contrastent avec un jeu de guitare aux accents délicats, aux accords inspirés.
Si les intonations rappellent les joyeuses mélodies des Ours, il se dégage une atmosphère beaucoup plus intimiste mais toujours aussi humoristique.
De chants grivois en histoires dramatiques, laissez-vous porter par la rugueuse tendresse des deux compères…

Le trio DCA, c’est de la dynamite…. pour les danseurs ! La réunion de trois musiciens confirmés, passionnés par les musiques du Massif Central, invités réguliers de nombreuses formations et dont la réputation n’est plus à faire, donne une musique énergique,‘pêchue’, sans oublier brins de fantaisie et de nouveautés.
Anne-Lise Foy a découvert la vielle à roue à l’âge de huit ans dans le milieu des Auvergnats de Paris. La jeune femme est aujourd’hui une vielleuse confirmée, ce qui est plutôt rare dans ce monde de la vielle à roue largement décliné au masculin. Dotée de multiples talents, elle excelle aussi au chant et à la composition. Son timbre de voix et ses interprétations sont à l’image de sa personne : fougueuse, généreuse et entière.
Dominique Paris, cabrettaire (cornemuse auvergnate), bourlingue dans le milieu trad depuis 1976. Il a participé à de nombreux enregistrements de disques et de musiques de film.
Hervé Capel, fils d’un joueur de cabrette de Salers (Cantal), baigné dans les musiques auvergnates depuis toujours, possède outre sa dextérité à l’accordéon chromatique, un jeu, un sens musical ‘auvergnat’ particulièrement développé qui colle au répertoire.
S’appuyant sur une connaissance éprouvée du répertoire de bourrées, polkas, mazurkas, le trio laisse libre cours à sa fantaisie créatrice dans des arrangements inédits, toujours renouvelés, mais toujours en phase avec la danse. Avec fougue et style, le trio DCA restitue le caractère rude et bien trempé de la musique du pays arverne.
Laissez-vous danser, vos oreilles et vos pieds sont dans de bonnes mains !

Jany ROUGER

A l’image de sa région voisine, la Bretagne, la Normandie a vibré durant des siècles au rythme des campagnes de pêche, notamment à Terre-Neuve. Les marins ont ramené dans leurs filets un répertoire riche de traditions liées à la vie maritime des ports de Dieppe, Fécamp, Granville.
Marée de Paradis, quatuor de chanteurs qui accompagne ses mélodies aux accordéons diatoniques, flûtes, percussions, violon…., nous embarque pour une virée au travers de ce patrimoine, collecté depuis les années soixante-dix.
Marée de Paradis nous offre le fruit de ce retour aux sources et nous lance à la découverte de la vie des marins sur les terre-neuvas, et de leur vie quotidienne sur la côte normande. Leur répertoire se compose ainsi de chants de bord, de chants de travail (à virer, à hisser) et de magnifiques complaintes, chants à danser… Il émane de ces chansons à la fois toute la rudesse des métiers de mer, la douleur des longues séparations et la douceur des retours tant attendus.
Marée de Paradis incarne la mémoire des matelots d’hier. Avec ces quatre nouveaux aventuriers des mers, les chants de marins ne sont pas des pièces de musée : ils ont l’éternelle jeunesse du vent et du bois, l’immuable vigueur de la mer.

Autour du chantre de la synagogue de Montpellier, André Taieb, aujourd’hui âgé de 70 ans, le quatuor Naguila réunit Pierre Luc Ben Soussan, percussionniste de jazz et fondateur du groupe, et deux musiciens de confession musulmane.
André Taieb,initié par sa mère à l’art du Malouf Constantinois, a ensuite approfondi sa connaissance au contact de Cheik Raymond. Aujourd’hui, André Taieb est l’un des rares détenteurs de cette tradition judéo-arabo-andalouse, venue de l’Espagne médiévale et de Constantine. Le répertoire composé de chants sacrés et populaires festifs séduit par les splendeurs vocales et la richesse instrumentale.
André Taieb restitue ces chants séfarades dans leur authenticité et leur force originelle, soutenus par le oud, le violon et les percussions. Il chante parfois en arabe, souvent en hébreux. Sa personnalité rayonne, son feeling transcende l’ensemble.
Ces chants ont toujours accompagné le peuple juif dans son exil. Emotion et mémoire re-surgissent au travers du groupe. Ni souvenir figé, ni rétrospective dans l’air du temps, Naguila se veut vecteur d’une tradition vivante.

Ce trio de création toute récente réunit trois musiciens passionnés par les hautbois languedociens et catalans. Investi d’une ‘mission d’utilité publique’ en vue de faire avancer la connaissance des hautbois, il lance le pari de charmer en grinçant….
Par amusement, pour défricher, pour innover, ‘Les Grinces Charmants’ se définissent plus comme un workshop, un atelier de recherche, de découverte et d’expérimentation que comme un groupe.
Si tible, tenora et auboi appartiennent tous les trois à la famille des hautbois populaires, ils restent néanmoins différents et leur rencontre est avant tout une gageure : maîtriser des sons et des justesses facilement rebelles, faire une fusion de sons de hautbois différents. Il en ressort une musique décalée, incisive, flirtant avec la dissonance et l’inaudible.
Les ‘Grinces Charmants’ interprètent différents répertoires, relisant à leur façon des œuvres baroques et classiques. Ils proposent aussi des pièces contemporaines, spécialement créées pour eux, les incitant à de nouvelles explorations techniques. Ils présentent ainsi un répertoire inédit, voire expérimental.
Ces trois musiciens enracinés proposent une démarche originale, novatrice et décapante, où l’on retrouve des instruments traditionnels dans des formules inattendues, hors des contextes habituels.

Ancrée en Gascogne notamment autour de la tradition de fifres et tambours, la Compagnie Vieussens s’appuie sur ses musiciens multi-instrumentistes, orientés vers de nombreux courants musicaux contemporains, tels le jazz, la musique improvisée… Elle se joue des frontières, géographiques comme stylistiques. Le tambourin de Gascogne côtoie le dun-dun africain, la flûte primitive en roseau la clarinette basse…
La compagnie mêle des arrangements sur des thèmes traditionnels gascons à des compositions originales de Christian Vieussens et s’articule autour de courts textes empruntés aussi bien à Bernard Manciet qu’à la tradition du conte landais.
Tous les repères musicaux se fondent dans cette symphonie limpide conçue comme une rencontre entre souffle et percussion, mélodie et rythme, l’air et la terre.
Résolument ancrée en Gascogne, la Compagnie Vieussens offre le fruit d’une somme de rencontres et d’échanges, d’écoute et d’expériences vécues et en devenir. Elle transmet le patrimoine oral tout en prêchant le renouveau, l’improvisation et l’ouverture.

Depuis plusieurs années Monsieur Emile, éminent spécialiste de musicologie cantonale et mondiale, flanqué de son inséparable et dévoué assistant Albert, mène avec la ‘Conférance’ une véritable campagne de vulgarisation de la musique populaire. Officiellement promus à la haute fonction de ‘guides patrimoniaux populaires’, ils nous convient à une cérémonie, une veillée sur un thème grave : la quête de l’identité.
Et ils lancent l’inauguration de la soirée, et ils se lancent dans la parade, et ils recréent les fanfares de village…. Mais ils butent sur des obstacles, sur leur gaucherie, sur les maladresses d’Albert, sur leurs gamineries.
Bref, on dirait deux grands gosses, étriqués dans leurs habits de fonction, qui jouent aux guides officiels. Il y a quelques dysfonctionnements drôlatiques dans leurs rites !
Ils ont quelque chose de Don Quichotte et de Sancho Pança, convaincus de leur mission et ils nous font penser à Tati. S’ils font rire, c’est à leur insu…, s’ils se moquent de quelqu’un, c’est en premier d’eux-mêmes.
Enfin, quand ils ne trouvent pas les mots, la musique arrive…
‘Les Guides’, mis en scène par Gilles Defacque, Directeur du Prato de Lille, sont incarnés par Sylvain Roux et Jérôme Martin, un tandem tendresse d’une naïveté désarmante dans une veillée où ça fifre, ça scatte, ça cordéon.

Bougons et rustiques d’apparence, nos cinq ours roulent les R et tapent du pied sur des rythmes endiablés…
Bienvenue dans la tanière de cinq musiciens, réunis par une commune envie de garder une âme d’enfant et lancés dans une aventure musicale et chansonnière pour petits et grands, bijou d’imagination et d’humour aux parfums traditionnels.
Les joyeux ours puisent leur répertoire dans la tradition bretonne, fleurant bon le pays gallo, où la pratique du chant à répondre était autrefois largement répandue. Ils composent sur ce principe des chansons pour tous les âges, faisant participer le public, instaurant avec lui un lien direct et privilégié.
Les paroles, fruits de l’imagination de Gigi Bourdin, pétillent d’inventivité…. Jouant avec les mots et avec les sonorités, les chansons ont d’évidentes vertus jubilatoires. Il puise son inspiration dans la vie quotidienne(une bribe de conversation dans un café) ou dans ses rêves. Toutes ces images alimentent les textes. Mais si les mots et les mélodies doivent toujours avoir un sens, abordant parfois des thèmes profonds, comme la mort, les textes demeurent toujours abordables. Et tout bretons qu’ils sont, les mélodies doivent être faciles à retenir, à chantonner et toujours dansables.
Mais nos ours aiment aussi le voyage et sont gourmands d’ouverture. Les compositions reflètent aussi des rencontres et des influences extérieures…
Plus que du miel, un nectar d’imagination et d’humour. A consommer sans modération.

Après un long parcours au côté du musicien John Mc Lean, Sandra Bessis, chanteuse de tradition judéo-espagnole, poursuit avec son spectacle ‘Otras kantigas’ son voyage au sein de la musique séfarade, avec la complicité d’Isabelle Quellier, spécialiste de musique baroque et Anello Capuano, percussionniste oriental.
Le trio invite à une nouvelle promenade musicale dans l’univers poétique des juifs d’Espagne. Après 1492, chute du Royaume de Grenade, les juifs d’Espagne sont disséminés dans toute l’Europe. Les femmes deviennent alors les gardiennes de la tradition. Elles ne savent pas lire, ne vont pas à la synagogue et restent cantonnées à la sphère domestique. Alors elles chantent, dans cette langue qui raconte une histoire du temps passé et qui est aussi celle de leur quotidien.
Sandra Bessis interprète ces chants traditionnels judéo-espagnols profanes, transmis par l’oralité durant tous ces siècles. Elle s’intéresse aujourd’hui au thème de la rencontre, dans son acception la plus large. Ainsi, au-delà des chants de noces, étape de la rencontre entre homme et femme, le trio travaille sur la rencontre entre un homme et un peuple, mais aussi sur l’échange entre musiques ancienne et traditionnelle, entre univers oriental et occidental. En mariant les sonorités des instruments à cordes d’Isabelle Quellier aux instruments turcs et arabo-andalous d’Anello Capuano, Sandra Bessis célèbre les noces de l’Orient et de l’Occident.
Illustrant la tradition des chanteurs de romances, passant d’une riche ornementation à la sobriété d’un a capella, Sandra Bessis séduit par la finesse de son interprétation. Ces chants de la Méditerranée, gais, tristes, drôles ou pathétiques, trouvent écho dans nos vies.

Le chant flamenco, forme d’expression née en Andalousie au XVIIIème siècle, était alors l’unique moyen d’expression des gitans et des populations les plus défavorisées, véritables cris de désespoir, de douleur, d’amour ou appels à la fête…
Le parcours de Paco El Lobo, chanteur et guitariste de flamenco, est insolite et atypique, pourtant aujourd’hui il connaît une carrière exemplaire.
Né en 1953 à Paris dans un milieu gitan souffrant de grande précarité, le chant flamenco se révèle à lui très jeune, dans des circonstances fortuites. Dès l’âge de seize ans, il fugue vers l’Espagne rejoindre les grands maîtres du chant flamenco Pepe El de la Matrona, Rafael Romero et Juan Varea, au côté desquels il parfait sa connaissance de cet art.
Doté d’une voix naturellement flamenca et particulièrement doué pour la guitare, il inaugure alors une carrière remarquable. Aujourd’hui reconnu parmi le cercle fermé des grands cantaores andalous, ce chanteur poignant au ton juste porte loin un flamenco intense et mûri, bien au-delà de ses frontières géographiques primitives.

Depuis toujours, les musiques des bords du Golfe Persique (Iran, Irak) s’enrichissent de multiples influences. De la Méditerranée jusqu’aux portes de l’Inde, reconnaître les spécificités de chaque tradition musicale, puiser de manière cohérente et consciente dans chacune d’elles, telle est la démarche entreprise par les Pêcheurs de Perles.
Le chanteur et luthiste d’origine irakienne Mohamed Alnuma a rassemblé autour de lui cinq musiciens occidentaux, dont Christian Zagaria et Olivier Milchberg, passionnés par les musiques orientales.
L’objectif des Pêcheurs de Perles n’est pas de rejouer des airs traditionnels dans la plus pure tradition, mais d’enrichir ce patrimoine, en exprimant leurs propres sentiments. Ils suivent leur expression propre, à partir des compositions de Mohamed Alnuma, inspiré du poète soufi Al Hallaf (857-922). Il s’agit d’un véritable travail de recherche et de création pour transmettre des émotions et une sensibilité.
Les Pêcheurs de Perles réalisent ainsi un pont entre les cultures orientale et occidentale. La musique véhicule des émotions mais aussi des messages.
Cette synergie fait éclore une musique fluide. Pas étonnant qu’à la confluence de toutes ses eaux, on trouve d’aussi jolies perles, aux multiples reflets.

Yann-Fanch Kemener est une image vivante de la Bretagne, dont il chante avec un talent unique, complaintes et ballades, parfois archaïques, à la poésie rude et pure.
Aldo Ripoche est violoncelliste de formation classique, bien connu du milieu baroque et directeur de l’Académie Paul Le Flem.
‘An Eur Glaz’, (l’heure bleue) est une rencontre apparemment insolite entre le ‘passeur de mémoire’ Yann-Fanch Kemener, et le violoncelliste Aldo Ripoche, issu d’un univers musical policé et aristocratique…
Au-delà du clivage codifié entre ces mondes, les deux musiciens recherchent la complémentarité des voix, celle du chanteur et celle de l’instrument, pour revisiter le répertoire breton des complaintes et ballades, gwerziou et soniou, plinn ou ridées…
Lyrique par nature, baroque par choix, le chant du violoncelle à cinq cordes accompagne la voix du chanteur, soulignant tour à tour la poésie du texte ou la vigueur du rythme.
Entre baroque et traditionnel, Yann-Fanch Kemener et Aldo Ripoche abordent le répertoire éternel de la Bretagne, sans jamais le trahir ni le défigurer.

Mélanz Nasyon, c’est l’histoire d’une bande de copains issus d’un quartier difficile de Saint Joseph sur l’Ile de la Réunion, qui un jour décide, pour s’échapper des journées de lassitude, de créer un groupe de maloya. Ils commencent à jouer avec tout ce qui leur tombe sous la main : bacs en plastique, fers blancs, un petit kayamnb… Ainsi est née cette formation, qui a grandi dans le maloya sans réellement en être consciente.
Le maloya est un héritage de l’esclavage qui régnait sur l’Ile Bourbon autrefois. La musique, les chants et la danse étaient l’unique moyen d’expression des esclaves, qui manifestaient ainsi, au travers de longues complaintes, leurs peines et leurs espérances.
Mélanz Nasyon fonde sa pratique sur l’écoute des différents groupes de l’île et tire son originalité de sa capacité à allier les différents maloyas. Il conçoit toujours le maloya comme une force de revendication, un moyen de véhiculer des idées, en composant notamment des textes engagés, portant sur ses croyances et ses espérances.
La jeunesse du groupe, qui n’a d’égale que son talent, favorise une évolution du maloya, les membres du groupe ouvrent de nouvelles portes, montrent leur capacité à évoluer dans le style traditionnel sans pour autant perdre leur authenticité.
Investi d’un devoir de promotion de la musique traditionnelle réunionnaise, à la suite des Danyèl Waro et Firmin Viry, Mélanz Nasyon incarne la génération montante du maloya.

Ambassadeur du vallenato et roi de l’accordéon diatonique, Antonio Rivas est un sorcier capable en deux tempos et trois mouvements de nous faire découvrir la côte atlantique de la Colombie, lieu de brassage des populations.
L’accordéon diatonique y a longtemps été utilisé comme instrument annonceur. Pour aviser la population de nouvelles importantes ou officielles, les musiciens itinérants rassemblaient la population grâce à l’accordéon. Ces chroniqueurs locaux chantaient alors les derniers événements.
Ces musiques d’annonce se sont progressivement codifiées et sont à l’origine du vallenato.
Antonio Rivas perpétue cette tradition colportant les dernières nouvelles en musique et en chansons. Entre tradition et modernité, il mixe en quelque sorte deux formes : la cumbia, danse à deux, très représentative de la Colombie et de son brassage culturel, et le vallenato.
Accordéon, clarinette et percussions, un petit tambour appelé la caja et un grattoir en bambou, la guaracha, mènent cette musique de bal. Pour élargir les horizons musicaux, un saxophone intègre l’orchestre.
Le résultat donne sous les doigts agiles du magicien une musique brillante, festive et endiablée, au croisement de la verve des tarentelles italiennes, des rythmes hypnotiques des musiques de transe, de l’exubérance de la salsa cubaine et du chant rauque des mariachis mexicains.

Deux routards du mouvement folk et traditionnel, Jacques Mayoud et Jean-Pierre Yvert, animés par le même goût pour le mélange des instruments et des traditions, ont patiemment inventé un univers personnel rapprochant les pays scandinaves des pays africains. Ce choc des cultures laisse libre cours à une musique surprenante, qui accorde une place de choix à des instruments singuliers, comme la flûte harmonique scandinave et la sanza, lamellophone africain, sans oublier le violon, l’accordéon diatonique et la voix qui se font la part belle également. Il naît de cet échange une musique de l’entre deux, inclassable, entre traditions des campagnes et musiques urbaines. Il s’en dégage à la fois une force et un sentiment de séduction.
Les lignes droites les ennuient et nos bourlingueurs ont désiré franchir une nouvelle étape, pousser plus loin la rencontre, intégrant au célèbre duo un pianiste suédois, venus du jazz et des musiques actuelles, et Stéphane Méjean, saxophoniste de jazz. Les musiques cosmopolites de Nord Sud s’ouvrent au jazz pour donner un ‘swing trad’ novateur et dansant, avec une grande variété de compositions et d’atmosphères inédites.
Ces musiciens créatifs nous font voyager dans un monde imaginaire plein de charme et de magie, où se mêlent mélodies minimalistes, rythmique jazz et improvisation.

Cet accordéoniste chromatique virtuose, ce flatteur de ‘papilles audivites’, élevé aux sources du musette, nous vient tout droit de Gascogne. Très tôt, Michel Macias se trouve confronté à une suite de chocs successifs lorsqu’il découvre la musique cajun, les traditionnels occitans, le jazz, le séga, la musique bulgare…Toutefois, son ancrage régional reste fort, ses racines omniprésentes. Toutes ses révélations musicales l’influencent, le marquent et deviennent de multiples sources d’inspiration, sans hiérarchie ni justification aucune, pour inventer son propre imaginaire musical.
Certains lui reprocheront son éclectisme. Pourtant ses rares capacités à assimiler toutes les traditions font indéniablement sa force et c’est de là que jaillit toute la richesse, la spontanéité et la générosité de son répertoire.
Avec finesse et originalité, il a mis ses diverses influences musicales au service de l’accordéon chromatique, dans une démarche personnelle, en dehors du musette. Il contribue ainsi à renouveler l’image et l’utilisation de l’accordéon.
Son frère à la guitare, Eric Duboscq à la basse acoustique et Vincent Girardon au violon cinq cordes peignent un décor fleurant bon le terroir. Entouré de ses trois compagnons de voyage, il propose un ‘concert emballant’, où se croisent musette, biguine, rondeaux, polkas et où la danse est plus que jamais présente. Cet accordéoniste hors pair marie sensibilité et virtuosité, simplicité et exubérance, sans jamais perdre le swing. Sa musique reflète un univers musical unique, symbiose entre trad, world, ethnique, jazz et musette. Une musique signée Michel Macias.

Jany ROUGER

Depuis sept ans qu’ils sillonnent les routes languedociennes, la France et au-delà, de concerts en bals et animations de toute sorte, l’effet est toujours le même : une envie irrésistible d’inviter les voisins, sortir les verres et danser vous assaille.
Les Souffleurs de Rêves sont issus d’une rencontre : celle d’Alain Charrié, spécialiste du hautbois languedocien qui sait en extraire toute la force et la finesse, et Bertrand Toty, accordéoniste ‘chromatique’ élevé aux meilleures sources du musette. Denis Fournier, percussionniste jazz les accompagne généreusement.
Ce trio festif réconcilie deux époques, celle où le couple hautbois/tambour animait les nombreux instants du quotidien, celle où l’accordéon s’imposa avec un nouveau répertoire et des mœurs nouvelles.
De traditionnels en originaux, de l’occitan à la Méditerranée, les Souffleurs de Rêves évoquent un temps suspendu entre traditions rurales et urbanisation.

Roberto, bon vivant à la barbe généreuse et au rire tonitruant, né à Brasov en Roumanie, possède une créativité, une force et un talent immenses.
Autodidacte, il a longtemps vécu dans son pays, sous Caeucescu, souffrant de ne pouvoir s’exprimer musicalement.
S’il s’enrichit du folklore des Balkans, c’est pour mieux le dépasser car la musique n’est jamais figée. Il porte en lui l’invention, l’innovation et l’improvisation, marques du génie.
Comme une perle dans son écrin , Roberto s’entoure du Taraf d’Ile de France. On retrouve là toute la grandeur de cet artiste qui sait mener une direction cohérente et respectueuse du talent des musiciens qui l’accompagnent.
Ensemble, ils atteignent un état de grâce où l’expressivité relègue la virtuosité à un second plan.

Jusqu’au seuil des années soixante, la fourgonnette de l’épicier sillonnait les routes du Limousin rural. Sur les flancs du camion, on pouvait lire les inscriptions de la marque de café ‘Au Caïffa’. Cette image, gravée dans les mémoires, a inspiré une création musicale, où se confrontent les bourrées limousines et les rythmes des rivages orientaux de la Méditerranée.
Le projet évoque également des rencontres nées lors des Croisades entre Orient et Occident, lorsque les musiciens limousins et ‘orientalistes’ se livrent à quelques joutes musicales.
Le répertoire traditionnel du Limousin s’ouvre comme par miracle à des suavités de luth oriental et des fulgurances rythmiques venues d’Iran, du Maroc, de Turquie ou d’Afghanistan…
Au son sauvage des ‘charamels’ (mot populaire limousin pour désigner un instrument inventé), de la cornemuse et de la vielle à roue répond la douceur du luth ou du saz mais aussi la violence et la précision du tambour turc ou de la derbouka.
Quelques moments de suspension où s’élèvent deux voix féminines, une chanteuse limousine et une chanteuse kurde, pour un dialogue entre deux âmes aussi loin de la banalité universelle que du folklorisme local.

Guide éclairé enrichissant l’héritage plutôt que conservateur passéiste, Patrick Bouffard, virtuose de la vielle à roue, âme de Transept, incarne la formidable vitalité des musiques traditionnelles. Au sein du septet, chaque complice aime faire partager généreusement son sens du voyage dans les répertoires authentiques d’ailleurs et d’ici.
La musique respecte la différence, s’ouvre aux autres, hait le convenu et le standard figé. L’identité se forge grâce à l’écoute patiente et s’enrichit du souffle régénérateur de l’improvisation. On ne dissout pas l’héritage du passé, on en fait revivre les traces pour les perpétuer librement. Au cœur de ce bal des sonorités et des climats envoûtants, on est séduit par les complaintes tropicales à la respiration syncopée, la circularité obsédante de certains thèmes, les arabesques orientales de quelques mélodies.
Avec ce vielleux au look de rocker, il ne faut pas s’attendre à de la bourrée passe-partout, à des rengaines usées, mais à de la musique tonique, à des compositions recherchées.
La vielle à roue de Patrick Bouffard, s’est trouvée une jumelle : Anne Lise Foy entre en scène. Le duo se fond dans les tumultes des accordéon, cornemuse, derbouka…
Une formation rare, convaincante et provocante.

Le ‘Marais breton’ vendéen est la région charnière entre la Bretagne et le Poitou, limitée par le Pays de Retz et le bocage vendéen.
Imaginez un paysage de verdure luxuriante, la fraîcheur des sous-bois qui abritent un mystérieux labyrinthe de canaux. Au loin, quelqu’un sonne la veuze, cornemuse régionale qui s’est tue pendant un demi-siècle, et a été ressuscitée par quelques inconditionnels, dont Thierry Bertrand fait partie. Le temps est comme suspendu sur cette terre aux multiples couleurs et senteurs.
Avec le Duo Bertrand, c’est une immersion dans ce micro-climat que l’on vous propose. A la fois, relaxant et dynamisant, il faut se laisser bercer par ces pièces collectées dans la région.
Le Duo Bertrand, c’est aussi une affaire de famille. Le neveu, Sébastien, accompagne à l’accordéon diatonique le tonton, Thierry, qui fait pleurer sa veuze, cornemuse régionale qui s’est tue pendant un demi-siècle, et ressuscitée par quelques inconditionnels, dont il fait partie.
L’entente entre les instruments est parfaite, fusionnelle, comme une étreinte passionnée, et prouve que ces traditions sont aussi des musiques d’aujourd’hui.
Grâce à cette osmose entre modernisme et sensibilité, ils offrent une musique unique et puissante : la ‘fleur de sel’.

‘Musiques pour sonnailles’ est une pastorale contemporaine qui associe l’utilisation des sonnailles traditionnelles pour le bétail et les systèmes électroniques de notre temps… Jean-Luc Madier chante en oc et en français des histoires de montagnes, bergers, diableries marécageuses. Sur l’aire de jeux se côtoient métaux, bois, instruments des ténèbres, câbles électriques et voyants lumineux.
Au lointain tintement des clochettes répondent les grandes séquences polyphoniques de cloches virtuelles.
C’est une musique vivante par excellence, un langage inédit, ouvert à l’improvisation, qui parle des racines patrimoniales avec infiniment de poésie.

Où l’on parle, murmure, bonimente, baratine, crie, chante, déclame… Où l’on travaille le poids des mots, explore l’accent des langues, prospecte les traditions orales et écrites, observe les pratiques vocales quotidiennes…
Un chantier vocal permanent de recherches harmonique et polyphonique, de construction collective, de création.
Le plaisir de l’expression vocale.
La voix en est le premier matériau, les fondations d’une tour de Babel sonore, d’un édifice vocal toujours en construction, aux croisements de différents univers musicaux.
Attention … chantier vocal !

Ano Neko signifie ‘créons ensemble’. Valérie Gnahoré, fille du comédien et percussionniste Boni Gnahoré, formée au sein d’un village artistique au cœur d’Abidjan, et Colin Laroche de Féline, conjuguent leur talent pour une invitation au voyage à travers le continent africain. Leur jeunesse, moins de cinquante ans à eux deux, n’a d’égal que leur maturité précoce. Le duo distille des chansons douces et langoureuses où domine la voix chaude et colorée de la jeune ivoirienne, soutenue par le style de jeu original du guitariste mêlé d’arpèges et de partitions de tambour ;
Le répertoire s’est constitué sur les compositions de la chanteuse, en plusieurs langues, telles le bété, le fon… et le français ‘trafiqué’ . Ce duo original et prometteur évoque tour à tour l’amour, la mort, dénonce les travers de la société, pour en revenir comme par défi à la ‘bellesse’, la beauté comme l’on dit dans ces langues régionales, la beauté de la vie en général.

Bienvenu dans un étrange monde musical, une sorte de grenier inédit mais familier. Là vivent une chanteuse et un accordéoniste habités par une vision personnelle et actuelle de la musique traditionnelle bretonne et qui laissent libre court à leur folie douce.
Autour d’un cœur de gwerzioù et sonioù trégorrois se déploie un langage musical riche et fantasque, expressif et inclassable.
Au-delà de la musique, le spectacle s’est enrichi d’une large part de théâtre : décor, textes, éclairages visent à plonger le spectateur dans une atmosphère particulière, magique, riche et imprévisible.
Des interventions parlées ou muettes entre les morceaux apportent des clés nouvelles et dénouent en filigrane une réflexion poétique sur la mémoire individuelle et collective.
Un bouillonnement de violences, de doutes, de tendresses et d’émotions qui ne portent même pas de nom…

La rencontre de l’Ensemble de Clarinettes Doumka et du percussionniste Youval Micenmaker est placée sous le signe de l’acoustique.
La musique de Doumka vient d’Europe orientale, s’inspire des Balkans, allonge le souffle jusqu’au confluent des musiques yiddish.
Se joint au voyage Youval Micenmaker, percussionniste au toucher délicat qui hante les couloirs du jazz et du spectacle musical sous toutes ses formes avec une virtuosité élégante et un engagement scénique certain.
Ensemble, ils tissent une toile musicale imaginaire dont les fils sont des thèmes originaux et le cœur l’improvisation. Cette musique généreuse réveille le plaisir et attise la curiosité.

Une Anche Passe c’est avant tout une formation orchestrale originale qui réunit un éventail de hautbois du bassin méditerranéen (tenora, tible, piffero…).
Autour de cet ‘aulos’ emblématique et omniprésent, gravitent des instruments à anches simples (saxophones, clarinettes) et des cuivres, dans la lignée des fanfares de la Méditerranée.
De concert en album, Une Anche Passe poursuit son exploration du monde des anches méditerranéennes. Avec Lambros Karaferis, le groupe propose un nouvel échange artistique.
Ce clarinettiste grec a intégré, à l’image du patrimoine de son pays, toutes sortes d’influences et est fort d’un présent où la musique se nourrit et s’enrichit du quotidien.
Un vent chaud aux modes orientaux et occidentaux envahit le décor méditerranéen pour construire une odyssée traditionnelle et improvisée.

‘Chabanes’ est le nom d’une fontaine, appelée aussi Source aux Enfants dans le village de Pamproux en Poitou. Point de rencontre, de palabre, c’est le lieu secret d’où partent les escapades…
A cette image, les violons de Chabanes font se rencontrer le répertoire traditionnel poitevin, interprété par deux violoneux, Christian Pacher et Alexandre Benoist, abreuvés à la source traditionnelle régionale depuis leur plus tendre enfance, et une violoncelliste, Pascale Berthomier, issue du milieu classique et très orientée vers l’improvisation.
Ensemble, ils revisitent la tradition de violon poitevine. Pascale, dont le violoncelle devient parfois électrique, emprunte très vite des chemins de traverse lui permettant de s’exprimer en toute liberté... En portant un regard personnel, un feeling propre, elle transcende les sonorités et les couleurs.
Les deux violons épousent le violoncelle pour mieux raconter l’histoire du violon, du chant, du crin, des mots, de la poésie. Au croisement des langues, des univers musicaux, cette musique poitevine se dénude et livre ses secrets. Les mélodies et textes populaires, paroles de voisins, d’amour, de révolte esquissent un univers à la fois puissant et pudique. Les violons de l’âme s’abreuvent à la source pour s’étirer plus loin…

Personnage attachant, jovial et volubile, réunionnais d’origine, René Lacaille est aujourd’hui reconnu comme le véritable ambassadeur de la musique réunionnaise.
Précurseur de l’intégration des instruments non traditionnels comme l’accordéon, la guitare électrique, le clavier, dans cette musique, René Lacaille accorde une grande importance au choix de l’instrument : l’adapter pour mieux communiquer un sentiment, une émotion.
La musique réunionnaise, très rythmique, s’exprime sous deux formes : le maloya, musique de transe jouée par les tambours, revendicative, qui parle de misère et le sega, chants beaucoup plus légers, plus festifs, accompagnés à la batterie et à la guitare, style de prédilection de René.
‘Mouquataires’, c’est-à-dire moqueur en créole, comme tous ses compatriotes, il aime plaisanter sur les gens, les ‘titiller’, les faire rire plutôt que pleurer.
Thèmes traditionnels et compositions sont toujours au service du sega et du créole.

La FAMDT (Fédération des associations de musiques et danses traditionnelles)
et La MAROQUINERIE
 présentent


PARIS PLANÈTES

LE RENDEZ-VOUS DES
NOUVELLES MUSIQUES TRADITIONNELLES

8 concerts du 10 novembre 2000 au 9 mars 2001
à LA MAROQUINERIE

Jany ROUGER
Directeur de la FAMDT

Daniel Loddo, ethnologue  et ancien compagnon  de Claude Sicre (Fabulous Trobadours), et ses amis de La Talvera revendiquent un attachement  à une culture occitane à la fois forte et représentative,  imaginative  et créative,  tout en étant à l’écoute des autres cultures du monde et des problèmes de société. Les joutes orales en langue occitane parlent du quotidien, de leur engagement non dénué d’humour pour l’Occitanie mais également de tolérance et d’humanité. La Talvera s’inspire pleinement du répertoire traditionnel, des Repentistas du Nordeste brésilien au chant tarnais. De par sa volonté de créer une musique d’aujourd’hui, tout en préservant  l’envie de rester fidèle à la tradition, La Talvera a collaboré et tissé des liens étroits avec d’autres groupes de la mouvance occitane : Massilia Sound System, Gacha Empega et Nux Vomica.

La Talvera offre un spectacle farceur et décapant, dérangeant et constructif, qui tente et réussit un pont entre les générations, à la manière d’un carnaval où l’on peut danser comme on veut, courir et sauter, chanter fort, crier !…

Manu Théron (Gacha Empega), chanteur de rue comme il se définit lui-même, véritable ambassadeur de la langue d’oc, entouré de ses deux précieux acolytes,  croise son expérience, son répertoire, sa sensibilité avec les six musiciens du groupe algérien El Hillal originaire du Sud Ouest algérien (Souara et Toat).
La création musicale, fruit de cet échange  entre le Sahara et l’Occitanie, prend la forme de joutes, expression musicale commune aux deux traditions, qui intègrent sans les neutraliser toutes les influences en présence. La puissance du chant, le pouvoir pénétrant des percussions,  les lignes mélodiques à évocation religieuse, l’énergie et la dynamique  dégagées  transcendent  les hommes  et générent  une communion des  cultures.

Cette véritable fusion dans le respect des identités respectives manifeste l’intention de prendre en compte les éléments constitutifs de notre réalité culturelle dans l’élaboration d’une musique d’Aujourd’hui.

L’art vocal de Benat Achiary est particulier, parfois déroutant. Sa voix puissante, oscillant entre murmures et cris rauques, s’est forgée au contact de la vallée de la Soule dans les Pyrénées, mais aussi auprès de musiciens de jazz comme Bernard Lubat ou Michel Portal, en s’ouvrant aux musiques d’ailleurs et à la musique contemporaine. Son travail est une combinaison souvent magique de ses racines : la culture basque, mais aussi d’autres traditions  comme celles des indiens navajos, ou encore du freejazz et du flamenco.
Improvisateur total, remarquable homme de scène, Benat Achiary s’est construit un univers très personnel dans lequel l’exploitation de vocalises entraîne insensiblement l’auditeur dans les délices du sens et de la correspondance.

Unis par leur culture et par leur passion, Benat Achiary, Joël Merah et Benat Amorenah puisent leur force dans la tradition populaire basque, en quête perpétuelle de l’universalité.

Interprète de grand talent du ‘chant à danser’, Mathieu Hamon est  à 28 ans un des chanteurs les plus remarquables de Bretagne.
Sa maturité vocale, comme la richesse et la profondeur de son répertoire permet au « meneur du bal » d’aborder un large panel de mélodies, de la complainte la plus tragique aux airs à danser les plus échevelés. Il propose de faire découvrir ou redécouvrir la richesse du répertoire traditionnel du pays de Redon (sud-est Bretagne). L’originalité des arrangements musicaux donne une saveur et une couleur particulière. A l’écoute de ces chants de tradition gallèse mais interprétés pour la plupart en français, chacun peut retrouver une situation, un contexte, une réalité d’aujourd’hui.

Depuis une dizaine d’année, Mathieu Hamon ne cesse de chanter, alternant son emploi du temps entre la ferme familiale, le collectage, les  concerts , les fest-noz ou autres veillées chantées.

Contact :
Esta- Fête
Tel. 02 99 71 09 82
esta-fete@wanadoo.fr

Au fil du temps, depuis 35 ans…, le nom des trois frères Molard reste incontournable dans l’histoire des musiques bretonnes, comme gravé au sommet des Monts d’Arré. Aujourd’hui, l’aîné patrick finalise 35 années de musique par «  Delioù », disque plébiscité oar le public et trame du concert exceptionnel présenté dans PARIS PLANÈTES.

En invité breton, on retrouve l’ami de toujours, le guitariste Jacques Pellen
Mais la surprise vient de la présence de Kalinka Vulcheva, sans aucun doute une des plus grandes voix bulgares de ce siècle, soliste du ‘Mystère des voix bulgares’ et de ‘l’Orchestre National de Sofia’, sublimée lorsqu’elle chante, en breton de surcroît, en duo avec Patrick aux cornemuses.
Parfum de Bulgarie, donc, mais aussi senteurs brutes d’Ecosse, effluves de Galice et …la musique bretonne avec le génie et la signature, toujours reconnaissable de Jacky Molard.

Contact :
Ton All - Bertrand Dupont
Tel. 02 97 23 82 82
ton.all@wanadoo.fr

La Belle Image réunit autour du percutant et accordéonnant Robert Santiago des acolytes farceurs aux clarinettes, saxophones, cuivres, percussions .
Cette fanfare aux origines ligériennes présente une musique forte et vivante, truculente et délicate. Si les sources sont puisées dans les recherches, collectes de disques anciens des traditions musicales d’Amérique du Sud, rencontres inédites au gré de voyages, la musique de La Belle Image innove. La fanfare réinterprête des morceaux pleins de saveur comme ‘Huapango du pédalo’ issu du répertoire des orchestres de marimbas mexicains, ‘Los Doctorcitos’ reccueilli auprès d’une banda péruvienne, ou encore la superbe ‘Mazurella’ célèbre dans les années 50.
Un concert incontournable pour une soirée pétillante  aux allures de carnaval sur des rythmes de Bolivie, Mexique, Venezuela…
La Belle Image est une rumeur de terre, une vive brise sonore qui chatouillent les tympans et les cœurs.

Slonovski Bal est une fanfare bondissante composée de musiciens aux origines cosmopolites,  et une histoire de souffle.
L’histoire d’un vent parfumé, venu des Balkans, de l’épopée tzigane et du formidable brassage des cultures européenne, slave, turque, méditerranéenne, juive qui véhicule une tradition de fanfares unique au monde.
La musique de Slonovski Bal  est surprenante, incroyablement joueuse, joviale , jubilatoire avec cette subtile nuance de mélancolie, si chère à l’âme slave.
Si le répertoire est profondément ancré dans les traditions tziganes et balkaniques, l’orchestre contribue par son talent au renouveau des musiques de l’Est et concourt notamment à l’évolution de l’écriture et de l’improvisation.
Propulsé par l’énergie lumineuse des ‘coceks’, ‘sa-sa’ et ‘kolos’ endiablés, Slonovski Bal , souffle plus avant ce vent métis, de l’est européen tumultueux, vers la France.

Le quatuor Sarocchi incarne la nouvelle génération corse. Investis d’une mission, essayer de faire revivre des pièces musicales menacées de sombrer dans l’oubli, forts de leurs expériences auprès des légendaires I Muvrini et autre groupes moins traditionnels tels Metallo Voices, les musiciens-chanteurs souhaitent faire connaître la musique corse sous toutes ses facettes, même les moins célèbres.
A côté d’un répertoire puisé dans des fonds musicaux enregistrés, ou bien simplement transmis de bouche à oreille, Sarocchi présente des créations, très soucieux de respecter l’esprit et l’esthétique musicale traditionnelle.
Si la musique puise ses origines en terre corse, la démarche s’avère moderne. Le secret de cette alchimie ? Le lien entre les hasards heureux de la musique et le côté intemporel des musiques ancestrales.

Au trio ‘traditionnel ‘ (vielle, cornemuse, flûte) des frères Besson, ’laboureurs’ du terrain bourbonnais, se sont adjoints des musiciens venus d’autres horizons, pour créer une musique évolutive et foisonnante, enrichie par les conseils éclairés de Didier Lockwood.
Cette nouvelle formation revendiquant un style de ‘musique traditionnelle contemporaine world jazz’, est animée par la volonté de créer une musique évolutive et foisonnante. Elle mêle des compositions d’inspiration traditionnelle bourbonnaise avec des arrangements très actuels.

Un nouveau groupe  dont chaque prestation crée l’événement dans sa région.

De formation récente (avril 98) mais au talent certain et déjà reconnu par ses pairs (la Spedidam l’a élue meilleur groupe de l’année), Aligot Eléments, par référence avec la spécialité culinaire auvergnate,  délivre une musique inclassable, parce que née d’une rencontre entre des musiciens venus d’horizons différents, qui portent tous un regard personnel sur la musique traditionnelle jouée en Auvergne et sont animés par un même esprit de création et de rencontre. Leur musique est populaire car non-savante, fonctionnelle, tribale.
Attachés à leur région, les six musiciens puisent leur inspiration dans les sources de la tradition, le long d’un axe imaginaire qui relie les sommets du Massif Central, au Bourbonnais et au Berry.
Leur musique ne se veut pas représentative d’un mouvement, d’une tendance: elle s’épanouit dans une démarche collective. Elle naît, vibre et puis s’éteint. Fusion de sonorités, de rythmiques et de mélodies, Aligot Eléments donne une saveur différente et nouvelle au répertoire traditionnel.

Rencontre musicale, mais avant tout humaine, avec cette soirée consacrée aux percussions réunissant le Trio Chemirani, ensemble de zarbs, principal tambour iranien, et Carlo Rizzo, véritable magicien des percussions digitales.

Les Chemirani, père et fils, tout en puisant dans la poésie persane ( dont s’inspirent les rythmes traditionnels), ont composé et développé des formes modernes, où l’accent est mis sur les polyrythmies et sur la multiplicité des sons. La parfaite concision du langage, la vertigineuse circulation du dialogue, la variation infinie des touchers s’ajoutent à la merveilleuse complicité des musiciens.

La rencontre avec Carlo Rizzo paraît naturelle, voire évidente. Autodidacte, imprégné des répertoires traditionnels, Carlo Rizzo invente des instruments ( le tambourin polytimbral et le tambourin multitimbral ) qui lui permettent d’adapter à ces répertoires son étonnante virtuosité et son sens de l’improvisation.

Les quatre hommes, loin de flirter avec l’austérité ou l’élitisme, offrent un spectacle époustouflant de précision et d’audace.

Formé depuis quatre ans, Cap Nègre réunit trois musiciens au sein d’une formation où voix et instruments jouent la complicité. Le trio a généreusement travaillé sur la base d’un collectage du patrimoine musical occitan mais leur démarche n’a rien de passéiste. Les deux instrumentistes Cadeillan et Lanau débordent d’une imagination musicale que servent cornemuse, violon, percussions et instruments de l’invention d’Alain Cadeillan. Un assortiment de tubes et de plastique de nature à laisser rêveurs bien des expérimentateurs.
Peire Boissière, chanteur remarquable par l’authenticité de sa démarche, à la voix typée et pleine de caractère décline des chansons d’amour avec justesse, raconte des histoires de haut-agenais, de béarn et d’ailleurs, quelques trésors cachés inédits.
Cap Nègre porte le parfum du terroir qui émerge à chaque mélodie.

Né de la rencontre de quatre musiciens issus des groupes ‘Perlinpinpin Folc’ et ‘Cie chez Bousca’, Ténarèze (nom qui désigne une voie antique permettant d’aller des Pyrénées jusqu’à Bordeaux) possède un son et une conception musicale basés sur des compositions racinées mêlant textes et mélodies populaires de Gascogne, adaptations en occitan de textes français, mise en musique de textes d’auteurs occitans contemporains et compositions originales.
Leur spécificité sonore repose également sur une étonnante foison d’instruments: des plus représentatifs de la musique traditionelle française à ceux issus de l’imagination et du talent d’Alain Cadeillan : ‘clarinoise’, ‘escoubophone’, tambours d’eau en plexiglas , instrument en sabot de chèvre, saxo arrangé d’un balai…Leur travail est hors normes et de grande qualité. De plus, il ouvre une porte sur un genre de poésie musicale proche du conte.
Métissée, multicolore, offrant un véritable plaisir visuel, la musique de Ténarèze donne cette étrange sensation de naître là, sous nous yeux, dans le creux de nos oreilles. À partir du thème du vol et de la découverte, le spectacle ‘ Triangle dins Lo cèl’ nous entraîne dans un voyage à travers les paysages du monde. Un voyage qui utilise nos racines musicales pour créer un monde mélodique et mystérieux tout à fait neuf et qui nous laisse béat et songeur …